2011. 150° anniversario dell’unità d’Italia. 54° Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia. Ecc… ecc… Un anno fatto di numeri e di eventi, di iniziative e di anniversari legati e non all’Unità d’Italia.

Unità? Ma di cosa?

Tralasciando alcune cose e parlando di ciò che vorrei dire: da circa un mese si è conclusa la Biennale di Venezia, per alcuni un evento molto importante per altri un po’ di meno, con tante aspettative e anche quest’anno con diversi padiglioni sparsi in tutta Italia, tra questi quello calabrese.

La questione di cui vorrei parlare è prettamente legata al video, in tutte le sue intense e svariate sotto categorie. Ho citato la Biennale per un semplice motivo, quello di collegare il titolo di questo pezzo ad una riflessione che in questi ultimi mesi si discute e si dibatte in diverse salse e in diversi luoghi in Italia e cioè “Lo stato dell’Arte”.  Si è parlato molto di questo argomento, si son fatti parecchi convegni, parecchie mostre, si sono sprecati soldi e qualcuno ne ha approfittato per trarne il proprio profitto, ma quello che invece non si è fatto e che di doveva almeno cercare di discuterne è che nessuno si è mai posto il problema del video, dello stato di quest’arte in Calabria.

Vorrei soffermarmi di più sul video in Calabria e sul suo stato attuale, ma non indagando in maniera statistica e puntigliosa, bensì dal punto di vista prettamente divulgativo, indipendente ed artistico. Per quello che ho conosciuto, per quello che ho visto, per quello che ho “palpato” con le mie mani, mi son reso conto che lo stato del video nella nostra regione non gode di buona visibilità, ma non perché non si ha conoscenza, semplicemente perché non se ne vuole parlare. Sono pochissime le realtà dove si parla e si “mostra” questa forma d’arte.

Ci sono parecchi artisti calabresi che nell’arco di quest’anno si son fatti strada con le proprie mani, facendo conoscere le proprie opere con molta difficoltà, ma con risultati, alla fine, apprezzabili.

Molti di loro hanno ottime capacità artistiche, sia da un punto di vista di linguaggio espressivo oltre che di forma e di concetto dell’opera e usano questo mezzo, il video, non semplicemente come forma espressiva per manifestare le proprie idee, ma molti usano questo linguaggio come “ricerca visiva” di un percorso di studi e di vita che sfocia poi sotto forma di comunicazione artistica.

Non si è mai fatto nulla di concreto per cambiare questo stato di trascuratezza dell’Arte nelle nostre città calabresi e molte volte ci troviamo in difficoltà a dare visibilità alle nostre ricerche e attività artistiche. Mi riferisco soprattutto alle strutture artistiche e poi a quelle pubbliche che non si impegnano molto dal punto di vista di valorizzazione dei propri artisti sul territorio. E’ inutile che si realizzino manifestazioni eventi o festival (artistici) al solo scopo di far vedere ad un pubblico inerme che la città fa qualcosa per l’Arte, presentando sempre le stesse cose e gli stessi artisti o tramite conoscenze politiche. Così non parliamo di valorizzazione dell’arte, bensì della sua ghettizzazione.

Ho visitato parecchie mostre e gallerie della nostra regione, soprattutto di arte contemporanea, termine che oramai si usa senza distinzione per qualsiasi cosa, e mi son reso conto che pochissimi hanno dato uno spazio rilevante al video. Perché?

Forse per il fatto che ancora siamo legati a vedere l’opera d’arte “classica” nella sua forma espositiva? Oppure perché lo spettatore/ fruitore non è ancora abituato a vedere questa forma d’arte in movimento?

Le domande sono varie su questo argomento, ma non riesco a trovare una risposta plausibile.

Molte volte in questi luoghi espositivi dove si trovano ancora “rare” le opere in video, lo spettatore non viene catturato da questa forma d’arte, sarà per un fattore culturale o di ignoranza, ma stranamente reagisce in maniera negativa o in quelle poche eccezioni che si sofferma a visionare l’opera lo fa per semplice curiosità e non per un piacere di conoscenza. Mi è anche capitato di vedere diverse persone che si prestano a guardare in video come se fosse un’opera pittorica o scultorea, uno sguardo fugace e via al prossimo quadro o scultura.

Altre volte, quando un gallerista o un curatore decide di inserire una sezione di video, in una mostra piuttosto che in un concorso, capita spesso che ci si imbatte in questioni personali o d’amicizia, presentando artisti che molto spesso ripropongono le loro opere in maniera “serigrafica”, mi è capitato di vedere delle opere in video e non solo, di artisti che in una mostra presentano un’opera e qualche mese dopo in un altro evento ripresentano la stessa opera con qualche piccola modifica di tecnica o di supporto, o esempio più eclatante, alla biennale padiglione Calabria, artisti che ripropongono la loro opera da diversi anni, sempre la stessa.

In questo modo come si fa a dare spazio ad artisti più giovani che devono crescere e formarsi in questo campo? Difficile.

Di recente mi è capitato di essere stato invitato a diverse mostre e concorsi di arte contemporanea, dove mi chiedevano di presentare una mia opera. Premetto che loro intendevano opere, solo quelle pittoriche e scultoree. Detto questo, quando gli rispondevo che ero interessato a partecipare, loro mi chiedevano se potevo mandargli una fotografia dell’opera. E visto che io mi occupo di video, difficilmente potevano valutarlo da un semplice still o frame. Quando gli dicevo che dovevo mandargli il file video, li la risposta usciva senza esitazioni <ma lei si occupa di video?> mi chiedevano, ed io <sì>, <ah… ci dispiace, ma noi non siamo attrezzati per questo tipo di opere, non abbiamo i mezzi tecnici per farlo>. Io rimango basito.

Una mostra o concorso di livello internazionale non ha a disposizione un lettore e un televisore per la fruizione di un video? Mi sembra esagerato.

Ora, la videoarte nasce negli Stati Uniti intorno alle seconda metà degli anni ’60, da lì si sviluppa e incomincia a prendere piede in tutto il resto del mondo, si presenta ovunque, in gallerie, in proiezione private, in eventi artistici e non solo. Adesso nel 2011, l’era della tecnologia avanzata, in Calabria non si riesce a dar visibilità a questa forma artistica, non si riesce a valorizzarla e soprattutto non gli si dà spazio nei luoghi che dovrebbero accoglierla?

Sconcertato!

Un plauso va a tutte quelle persone che si occupano di arte e che con tanta caparbietà inseriscono la videoarte nei circuiti giusti per essere vista.

La videoarte, tanto per citare una famiglia del cinema, non ha un potere comunicativo convenzionale, ed è forse questo un motivo che spinge lo spettatore a denigrarla e a non dargli la giusta attenzione?

Invece, nella sua interiorità, la video arte è uno dei pochi mezzi di “cultura digitale” che riesce ad essere espressiva e allo stesso tempo libera da ogni mezzo di contaminazione esistente.

Michele Tarzia

Personale di Teresa D. Ribuffo
A cura di Giuliano Fazzari (performig arts)

presso spazio culturale Nonsense di Reggio Calabria
via Pio XI diramazione privata 33

Vernissage 16 dicembre 2011
20:00

La mostra sarà aperta al pubblico fino 27 dicembre 2011
dalle 16:30 alle 20:00

Tutto respira pienamente.
Non ci sono chiusure.
Non c’è nemmeno pesantezza.
Questa è la dimensione del creare.

Bisogna scorporare le proprie identità, le proprie ideologie per essere davvero nudi,
come bambini, di fronte al nuovo, all’inconsueto.
E’ un percorso a ritroso che la nostra sensibilità percorre ogni qual volta ci troviamo di
fronte a delle opere d’arte.

Guardo i lavori di Teresa.

Hanno tensione e inducono chi osserva ad una intima relazione con l’opera stessa.

Le forme non sono più collocabili anzi si aprono a nuovi scenari.
Qui, le tele, le garze – usate peraltro con molta leggerezza senza scadere in inutili
forzature – non hanno più recinti.
Il quadro non conosce chiusure.
Esce. Diviene altro. Si espande.
Si apre.

La cromaticità esalta questo distacco formale. Come le particelle della luce la sua
pittura scorpora il colore, la tela stessa.
Rinasce.
Stacca. Astrae.
E’ immanente.
E’ sulle vie dell’informale.

E’ una pittura bella e strutturata, armonica, sempre nuova perché la ricerca di Teresa
non ristagna nelle paludi di ciò che ha appreso anzi, lo dimentica.
E’ questo è un dono.

Questo è il paradosso meraviglioso che muove il respiro di un pittore, scultore, poeta,
artista.

Questo è il paradosso di chi vive della propria arte.

Questo e il paradosso che muove le mani ed il cuore di Teresa.

Questa è la sua arte.

Giuliano Fazzari© Performing Arts

Un riesame del Filo di Arianna sembra segnare con modalità remote l’espressione dell’artista Teresa D.
Ribuffo. Il suo labirinto interiore è uno spazio lacerato, un intreccio di forme dove si libera un percorso
che trasforma, arricchendo senza sosta, sia il fruitore che l’opera stessa. La relazione tra la tessitura/
filatura e la natura femminile hanno un aspetto simbolico importante, che si lega alle leggi del rinnovarsi,
della morte, della rinascita, del cambiamento. La Ribuffo evoca gli archetipi mitologici della sintesi e della
trasformazione individuale, in una sorta di narrazione degli aspetti più intimi dell’esistenza. Sostenuta da
una ricerca materica che si fonde con le istintive esigenze cromatiche del processo, si esprime in prove
emozionali che non si accontentano di riferirsi a se stesse, chiamando in gioco un elemento complesso
spesso trascurato dagli autori: lo spettatore. Chi osserva i suoi quadri è, infatti, parte energica e integrante
della stessa opera; e ritrovandosi compromesso dalle trame, aggiunge importanti significati emotivi.

Katia Colica

Giovanni Modaffari

Ebbene si, sembra che a Reggio l’antica usanza del baratto sia tornata di moda.

SpazioTeatro, gruppo teatrale nato nel ‘99, tra le sue attività annovera: produzione di spettacoli, organizzazione di rassegne e laboratori, e da qualche tempo anche il baratto/libro, così come mi piace definirlo.

Le tematiche oggetto di scambio sono: narrativa del ‘900, narrativa per ragazzi, narrativa contemporanea ed ovviamente libri sul teatro. Questa iniziativa, nata da un evidente passione per la lettura, si è sviluppata fino ad arrivare ad un ideale, ed in seguito molto pratico, scambio di biblioteche. Chi maggiormente contribuisce all’iniziativa, purtroppo non sono di certo i ragazzi, come sempre i maggiori assenti ad iniziative di questo tipo.

Data la gratuità dell’iniziativa, la città inizialmente ha reagito con un po’ di scetticismo, ma in seguito ha fatto capire di essere pronta contribuendo in maniera effettiva.

Oltre ai libri e in attesa del catalogo che presto hanno assicurato essere online, l’associazione offre opportunità anche ai più piccoli di affacciarsi a questo magico mondo che è il teatro, con laboratori e spettacoli ad hoc, dando anche, perché no, con alcuni di essi un messaggio moderno pratico e sensato. Uno su tutti “Riciclown”, dove un mago pasticcione, con l’aiuto di due clown, ripulisce una città grigia ed inquinata restituendo ad essa colori e profumi nuovi. Per la serie..meglio prenderli da piccoli!

Un ulteriore evento che ci accompagnerà per molti mesi è il cosiddetto “Sgabuzzino di SpazioTeatro” pensato come fosse un vero e proprio sgabuzzino, appunto, dove svariati artisti una volta al mese, avranno modo di esporre le loro opere. Opere che accumulandosi andranno a comporre, di volta in volta, un fondale scenico per lo spettacolo finale di chiusura dell’evento.

L’opportunità di aprire questa rassegna è stata data a Gianfranco Scafidi, professore e scultore nella vita, che della sua arte sottolinea il forte valore del messaggio a sfondo sociale.

L’opera dal titolo “Walking On Me” tratta la narrazione di un viaggio.

O meglio..la non narrazione. Infatti l’artista durante questo viaggio, di ben 37 tappe tutte italiane per una durata di 23 giorni, ha capito che solo dando pochi e particolari input avrebbe invitato il suo interlocutore a cercare di capire, stimolandolo con un’arte al di fuori delle canoniche aspettative.

Un viaggio scaturito da una fisica necessità di contatto concreto e tangibile con altre realtà e, benché munito di video camera, macchina fotografica, blocco schizzi e quanto altro, l’artista è arrivato al concetto del “non racconto” cercando di accendere curiosità e desiderio di conoscenza a chiunque si misuri con l’opera e con l’artista stesso.

Libero da qualsiasi vincolo narrativo e  relegato nella sola parte di spettatore, ha capito che tutte le sensazioni, le esperienze, le persone incontrate in questo viaggio non potevano essere catturate e ristrette in determinati parametri, perché così facendo si arriverebbe a dare una visione solamente parziale e appunto relativa.

Lo scenario meditato dall’artista consta di un tappeto composto di tutte le città toccate durante il viaggio, dando loro una calpestabilità che ti concede di viverle. Uno zaino, tipico e fedele compagno di ogni viaggio, una televisione coperta da un velo nero, che simboleggia una libertà che sempre più viene a mancare ed infine un leggio con sopra il cd “Libro d’artista” che potremmo quasi annoverare come un classico diario di bordo, dove sono stati annotati tutti i pensieri dell’artista, in maniera originale e appunto non descrittiva.

Sfogliando il libro, infatti, ci si trova davanti a foto bianche senza titolo avendo come sola annotazione il nome delle città visitate, e ancora elenchi di cifre che spingono l’interlocutore ad uno sforzo comprensivo su cosa mai possano rappresentare, se kilometri, date o piuttosto orari. Più si va avanti più la mente viaggia per poi bloccarsi al punto dove questa narrazione prende dei colori vivi forti e confusi, pagine gremite di scritte, come fossero scarabocchi di un bambino, come a voler significare, che non sempre chi dice troppo molto spesso arriva a comunicare qualcosa!

Ulteriori informazioni su SpazioTeatro e su Gianfranco Scafidi si possono reperire rispettivamente sui siti http://www.spazioteatro.net e http://www.gianfrancoscafidi.com/ con particolare attenzione rivolta alla “sala riflessioni” http://salariflessione.blogspot.com/

articolo e foto di Claudia Toscano

La scelta della sede espositiva, un salone di bellezza (Harumi – Professional Fashion Design di Via della Stazione S.Pietro 31/33) al posto della convenzionale galleria d’arte, sottolinea la contemporaneità del progetto ed il rifiuto per gli ambienti tradizionali.

Quando hai capito che avresti fatto la pittrice?
Mi sono avvicinata alla pittura perché affascinata dalla pop art e dagli artisti che ne hanno fatto parte. Sono infatti proprio le opere di Keith Haring e di Roy Lichtenstein che mi hanno ispirato e spinto a prendere in mano un pennello e dipingere.

Come definiresti la tua arte?
Mi piace pensare che sia spregiudicata, ricca di contrasti e non solo cromatici…

Quali sono le tecniche che prediligi?
Dipingo soprattutto su tela con colori acrilici puri. Mi cimento anche nella tecnica del collage e nella creazione di sculture in cartapesta.

Parlami della mostra che si è inaugurata la settimana scorsa. Perché “Women 2.0″ ?
Ho voluto mettere le donne al centro dell’ attenzione  rappresentandole senza pregiudizi in maniera semplice e moderna. Oggi il web 2.0 si è sostituito alla comunicazione che noi definiamo normale. Gli scambi avvengono tramite Facebook, Twitter, Google. Tutto è più immediato. Ed è proprio questa immediatezza che ho voluto trasmettere.

Perché hai deciso di esporre in un salone di bellezza?
Credo che qualsiasi forma d’arte debba essere ammirata in ogni posto a portata di uomo. In questo caso di donna. Un’arte umana è più comprensibile.  Vorrei che le mie creazioni non fossero di nicchia ma arrivassero alle persone comuni.

Teodora Malavenda

In soli nove mesi è diventato il cortometraggio italiano più premiato di tutti i tempi ricevendo dodici prestigiosi premi internazionali e trenta selezioni ufficiali di cui tre in festival del circuito “Academy Awards”. Stiamo parlando di Ice Scream, il corto distribuito in Italia da MTV e diretto dai registi Roberto De Feo e Vito Palumbo.

Noi di Liberareggio.org abbiamo incontrato Roberto per capire assieme a lui come un episodio di vita reale possa trasformarsi in finzione. O meglio come la finzione spesso si trasformi in realtà.

Come nasce Ice Scream?
Dall’esigenza di raccontare la realtà in maniera diversa da quella a cui ci ha abituato lo stile cinematografico italiano.
Il corto è ispirato ad un episodio di cronaca nera accaduto nel 2008, in provincia di Catanzaro.
Un ragazzo di buona famiglia cadde con il motorino finendo sulla fiancata dell’auto di un delinquente del posto. Questo pazzo decise di vendicarsi del danno subito e con l’aiuto di una coppia di amici, rapì il ragazzo, lo portò in campagna, e dopo averlo legato ad un albero e torturato, lo bruciò vivo.

Cosa vuole comunicare?
La cosa che mi sconvolse quando venni a conoscenza del macabro episodio fu che facendo delle ricerche, scoprii che storie di questo tipo sono all’ordine del giorno. Ormai si uccide per uno sguardo sbagliato, per un parcheggio, per dieci euro.
Volevo raccontare una storia che fosse un ritratto di quello che stiamo diventando, ovvero un mondo di m**da dove non si salva nessuno, compresi coloro che dovrebbero far rispettare la legge. Da qui il siparietto surreale che chiude il corto.

Registi di riferimento?
Quentin Tarantino. E chi ama il cinema non potrà non essersene accorto. Ice Scream è pieno di citazioni e riferimenti ai suoi film. Quentin è il mio idolo, i suoi film per me sono libri di storia. Non a caso l’intro del corto mostra Tarantino che ammazza Nanni Moretti seduto sulla panchina di Caos Calmo.

Progetti futuri?
Tanti, a cominciare dalla distribuzione del nostro ultimo cortometraggio, dal titolo Poppitu (www.poppitu.it). Poi grazie al successo che ha avuto Ice Scream, una casa di produzione di Beverly Hills ci ha proposto di trasformarlo in un film, così al momento stiamo lavorando per capire se davvero potrà realizzarsi un sogno di questa portata. Incrociate le dita per noi.

Teodora Malavenda

SITO UFFICIALE DEL CORTO: http://www.icescream.it
PAGINA FAN SU FACEBOOK: https://www.facebook.com/pages/ICE-SCREAM/129070483730
SITO DEI REGISTI: http://www.palumbodefeo.it/
MIO SITO PERSONALE: http://www.robertodefeo.com/

Quando l’industria culturale si occupa nello specifico di temi legati alle sfighe della società l’impegno sociale dei produttori culturali può assumere forme diverse e variegate di impegno.

Per capirne di più e scoprire le varie sfaccettature di questo aspetto specifico della produzione culturale italiana, forse ancora un po’ troppo di nicchia nel consumo culturale nostrano, siamo andati al III Salone dell’editoria sociale che si è tenuto presso il centro Porta Futuro a Roma dal 28 ottobre al 1 novembre e di cui abbiamo già pubblicato alcune interviste.

Abbiamo fatto qualche domanda a 4 lavoratori e rappresentanti di altrettante case editrici “sociali” presenti con i loro stand all’evento. Ne è venuto fuori un mondo ampio e con interessi molto variegati che spazia dall’editoria anarchica a quella di stampo religioso-cristiano.

interviste di Alessio Neri

Stendhal, Sull’amore, 1822

L’autunno reggino de I Tre Farfalli, ci sta regalando continue emozioni musicali. L’atmosfera è quella familiare ed accogliente che da sempre ha contraddistinto la Locanda, le note quelle di Francesco Loccisano, giovane compositore calabrese che con le radici della sua cultura sta tracciando un nuovo percorso nella storia musicale della nostra terra; ad accompagnarlo Domenico Corapi, Vincenzo Gagliani e Salvatore Ancora. Bastano poche note, pochi istanti per ritrovarsi avvolti in quelle sonorità tipiche dell’area mediterranea, il coinvolgimento che la chitarra battente crea è immediato e totale: è l’Anima che si risveglia  per danzare sul suo ritmo più puro…

Perché le sonorità mediterranee possiedono tanto fascino?
La musica mediterranea ci appartiene, tutto ciò che senti familiare ti appartiene: quando, ad esempio, mangi qualcosa che ti piace, inevitabilmente ti affascina. Sicuramente il fascino è frutto anche delle tante invasioni che abbiamo subìto territorialmente.

Quale messaggio vuoi comunicare con le tue note?
Vorrei comunicare la riscoperta dei nostri strumenti, come la chitarra battente che ha sempre accompagnato il canto: ha un’anima forse per troppo tempo tenuta nel cassetto, nonostante sia uno strumento rappresentativo della nostra terra in quanto calabrese.

C’è un luogo in cui sogni di poter suonare?
Non ci ho mai pensato. Ho sempre pensato alla magia che si innesca con il pubblico. E’ una partita a tennis in cui dai e ricevi: ogni concerto è unico, mi lascia sapori, sensazioni che persistono nel tempo.

Quali sono i luoghi in cui torni più spesso in cerca di ispirazione?
La Calabria. Nel mio immaginario credevo che altre terre mi potessero dare qualcosa in più a livello compositivo ma, invece, la mia vena è qui.

Progetti per il futuro?
Prima della prossima estate uscirà il mio secondo lavoro discografico (il primo, attualmente in promozione, è Battente Italiana prodotto da ph Music WorX su etichetta Rara Records, n.d.r.), per cui dedicherò questo inverno alla pre-produzione ed alla produzione vera e propria.

Qual è la domanda che nessuno ti ha mai fatto e che avresti voluto ti facessero?
Ogni giornalista è un incontro, una sensazione diversa. Non mi è mai rimasto nessun punto interrogativo.

Le varie tappe che Francesco ha percorso per raggiungere questo altissimo livello di professionalità, dal suo paese natio Gioiosa Jonica all’Andalusia, quindi, dalla tradizione del basso Jonio che batte il tempo con le sue onde, alla malinconia e alla passione del flamenco, vengon fuori tutte all’ascolto dei suoi brani. E di passione ed energia Loccisano ne ha e ne regala davvero tanta, così come la gioia che gli si legge negli occhi durante e dopo il concerto. Non c’è che dire, i concerti dell’artista calabrese sono un vero piacere per le orecchie, gli occhi e lo Spirito! Invito, dunque, i nostri lettori a cullarsi con le note che la nostra stessa terra ci offre, non solo perché ci appartengono visceralmente, ma perché sono un vero e proprio toccasana!
Infine… LiberaReggini, consultate la programmazione autunnale de I Tre Farfalli: le premesse perché questa fredda stagione ci riscaldi musicalmente ci sono tutte!!!

 Letizia Cuzzola
Foto di Mariavittoria Ropalis
e Claudia Toscano

A rappresentare la Calabria, due registi già conosciuti e apprezzati dalla critica internazionale. Ricordiamo la loro partecipazione al Torino Film Festival (Il canto dei nuovi emigranti) e quella alla 50 ª edizione del Festival dei Popoli (Amabile Azzurro). Loro sono Felice D’Agostino e Arturo Lavorato.

In Attesa dell’Avvento, questo il titolo del corto con il quale hanno concorso e vinto a Venezia nella Sezione Orizzonti, speciale sezione internazionale dedicata al cinema di ricerca, si è distinto e ha ottenuto il riconoscimento ufficiale della giuria, per avere “esplorato i lati oscuri delle politiche passate e le cruciali implicazioni sulle incertezze del presente”.

Un lavoro preparatorio alla realizzazione di un lungometraggio che affronterà il tema del Risorgimento con una chiave di lettura contraria alle versioni ufficiali.

Tre le date che ricorrono nell’opera: 1861-1971-2011. Centocinquanta anni di avvenimenti e di ricordi che riaffiorano nella memoria della gente del sud. Gente alla quale, ed è opinione sempre più diffusa, l’Unità d’Italia non ha apportato miglioramenti, anzi si può dire che la situazione del sud, a partire da quella data, sia addirittura peggiorata. Non a caso i due registi dedicano la vittoria a Nicola Zitara che sui temi del Risorgimento e del meridionalismo, si è da sempre speso. Il sud si trova oggi schiacciato da un sistema economic

o sempre più avviluppato nelle spire del fenomeno mafioso e si configura come una vera e propria colonia interna.

E mentre l’Italia festeggia e celebra i centocinquanta anni della sua unità, molti come Felice e Arturo si chiedono, in fondo, quanto ci sia da festeggiare.

A seguire riportiamo l’intervista fatta ai due vincitori.

Come nasce In attesa dell’avvento?
Nasce come cortometraggio-studio del lungo che da un pò di mesi, insieme ad alcuni dei nostri paesani e compagni di lotta, stiamo faticosamente cercando di scrivere. Un film che ha per  soggetto l’ Unità d’ Italia ovvero, per prendere in prestito le parole di Carlo Alianello, scrittore fondamentale nella nostra ricerca storica, “La conquista del sud”.

Cosa rappresenta per voi il Premio Orizzonti ?
Il riconoscimento di un percorso politico-estetico che da anni ci sta portando a raccontare la nostra Terra e i nostri compaesani. Raccontare la Calabria per noi è molto importante, in quanto risponde alla necessità intima di elaborare i motivi che ci hanno catapultato fuori da essa. Crediamo molto nella nostra gente e riteniamo sia opportuna una riflessione collettiva utile al fine del riconoscimento dei drammi vissuti in quanto popolo calabrese.

Quali registi seguite con interesse?
Sicuramente tra i nostri riferimenti ci sono J.L.Godard, J.M. Straub, Theo Anghelopoulos, Werner Herzog, solo per citarne alcuni. In Italia tanti “maestri” dell’underground degli anni ‘70. Uno su tutti Tonino De Bernardi. Poi il “nostro” Vittorio De Seta insieme a Di Gianni, Cecilia Mangini, Lino Del Fra e buona parte dei registi cosiddetti post-demartiniani.

Si può fare quello che fate ai vostri livelli rimanendo in Calabria?
Se ci si allunga in meravigliose contorsioni, come rami nel fitto del bosco per cercare luce, la risposta è si. Basti pensare al regista Tommaso Cotronei, che pur rimanendo a Dinami, ha esportato il suo lavoro, nei migliori festival internazionali. Più che possibile, pensiamo sia necessario. Dalle esperienze quotidiane traiamo la linfa indispensabile affinchè le nostre radici si fortifichino e penetrino sempre più nella terra che ci sostiene.

Quale ruolo vuole e può avere il documentario in uno scenario come quello contemporaneo?
Il documentario, in tutti i periodi in cui il cinema sembrava ristagnare negli acquitrini delle grandi produzioni incatenato ai dogmi e alle costrizioni delle sceneggiature, ha sempre contribuito a rivoluzionare i linguaggi e le forme. Basti pensare a quello che è stato il Neorealismo in Italia o la Nouvelle Vague in Francia, che dal “fare cinema in modo documentario” presero moltissimo. Non parlerei di documentario, termine nato da futili esigenze di mercato per ghettizzare una forma di cinema molto pericolosa, quanto piuttosto di cinema che si confronta direttamente col reale.
Figuriamoci il ruolo che può avere oggi dove il paradigma audiovisivo generalizzato e generalista è costituito da fiction televisive e talk show. Può davvero essere un elemento dinamitardo e rigenerante della nostra condizione. Di spettatori e quindi di cittadini.

Teodora Malavenda

Negli atti e nei tratti

Donna hai amato il tuo sito

GALLICIANO’ è il suo nome

Nobile e antico

Ma  ancor su di te conta

Sta terra patriarcale

A rimaner nel tempo

Per parlare della sua storia

e dei suoi avi

ND MARIA RODA’ NUCERA

E Francesco musical racconta nello spartito.

CALENDARIO GRECANICO

Maria ha espresso modi e maniere; il sentimento più nobile di una donna e di una donna del Sud. Con le rughe, scura  la sua pelle, superbo il suo portamento pieno di nobiltà contadina; priva del sapere ma piena di talento.

Maria madre e Francesco giovane figlio della stessa terra esprimono un mondo culturale di alcuni residui della magnia grecia, espressioni di antica cultura con usi e costumi arrivati ai nostri tempi.

In questo micro simbolo di convivenza in via di estinzione, qualcuno ricorda che questa vita deve  pur continuare, per non offendere la fatica e il sudore dei loro Padri.

La Signora Maria continua da mecenate ad offrire. Nella sua povertà piena di ricchezza spirituale, anche se gli studi sono mancati,offre a Galliciano le sue braccia e il suo cuore. Per un paese semplice ma ricco di storia, assieme a tante altre piccole realtà grecaniche.

A Maria Rodà Nucera e  a Francesco Gerardo Marra, compositore dell’opera “calendario in lingua grecanica” , giungano  ringraziamenti per tale iniziativa, che dovrà essere curata, diffusa nel mondo grecanico e al pubblico interessato nell’approfondimento di questa cultura in via di estinzione. Con gli auspici che il dottor Pierfranco Bruni,il professore Salvatore Dieni e il dottor Mario Di Napoli, studiosi della realtà grecanica, possano dare un contributo nel valorizzare ed aiutare il sogno di donna Maria.

L’iniziativa, altamente culturale, vuole essere stimolo agli abitanti di Galliciano’, centro di poche anime arroccato e dominante sulle vallate dell’Amendolea nella provincia di Reggio C.

I comuni grecanici detengono questa miniera di ricchezza che si potrebbe sfruttare con appropriati interventi di giovani manager,promotori di un rinnovato turismo, in un osmosi di scambi culturali e turistici fra l’area grecanica e la Grecia.

Gli stessi,con appropriate strutture, dovrebbero essere più intraprendenti nel confortare i giovani a continuare nella lingua e nelle usanze dei loro padri, e nell’incentivare le potenzialità turistiche dei luoghi in grado di produrre ricchezza.

La Signora Rodà, oltre ad offrire la sua sensibilità di donna povera ma ricca di talento,dà ai visitatori opportunità di ospitalità nello spirito grecanico, nel vivere dei greci di Calabria.

Non esistono interessi personali o incarichi, ma far sì che “LA CULTURA GRECANICA” in questo lembo di terra italiana possa continuare. Con ella assieme ad altri consensi. A tal fine questa iniziativa si propone di preservare il patrimonio linguistico culturale del territorio.

Un particolare ringraziamento và al Sig DOMENICO NUCERA per aver concesso il materiale fotografico. I ringraziamenti vengono rivolti anche alla signorina Daria Zhukova che si è appassionata a questo mondo nuovo e diverso dalla sua realtà ambientale, partecipando con la stesura grafica del calendario.

Osservatorio romano Vincenzo De Benedetto (dbv)

Inizia così, la lunga intervista a Camilleri che come un fiume in piena racconta i tratti salienti della sua vita: dalle prime poesie e racconti in Sicilia, fino all’arrivo a Roma nel quartiere dove vive ormai da più di cinquant’anni. La scrittura, la politica, le donne al potere ed ancora Fiorello e la televisione. Ma il suo successo più grande, quello arrivato all’età di settant’anni, lo deve a lui: al suo commissario di Vigata con il quale vive  un rapporto di amore e odio. «La pressione  fino a qualche anno fa era enorme. Con la mia casa editrice vivo ancora una specie di “ricatto”: ad ogni nuovo Montalbano, Sellerio si diverte a mandarmi tutte le copie restanti degli altri miei romanzi invenduti».

Io e la scrittura: « Dopo 30 anni mi è tornata voglia di scrivere». «Ho cominciato a pubblicare giovanissimo – dice Camilleri, già alla quarta sigaretta dall’inizio dell’intervista -  non avevo neanche 20 anni e vivevo in Sicilia. Durante lo sbarco alleato scrivevo poesie e racconti, poi li mandavo a  riviste italiane. Nel 1949 ho vinto un corso di regia ed ho iniziato a lavorare come regista, così mi sono allontanato dallo scrivere. Dopo 30 anni mi è tornata la voglia ed ho ricominciato, ma a scrivere siamo tutti bravi, il problema è essere scrittori».

Io e Montalbano: «Mi sono detto: sei capace di scrivere un romanzo dalla A alla Zeta»? Che ruolo ha avuto il commissario nella sua vita? E quanto ha influenzato il suo modo di scrivere? «Montalbano – risponde il maestro – è servito per mettere in ordine il mio modo di scrittura, per mettermi alla prova. Quando io scrivo un romanzo, ovviamente non di Montalbano, sono totalmente incapace di farlo cominciando dal capitolo primo. Allora mi sono detto: Sei capace di scrivere un romanzo dalla A alla Zeta? Così è nato Montalbano, dal fatto di volermi cimentare in un giallo che ti obbliga a certe regole di logica e di successione temporale».

Al primo libro della serie però, Camilleri pensa che il suo personaggio abbia solo delle “funzioni” che non sia ancora del tutto reale. «Solo quando scrissi Il cane di terracotta mi resi conto di aver disegnato un personaggio che vedevo seduto accanto a me e con il quale potevo dialogare. Non ero preparato a creare qualcosa di seriale. Non avevo la voglia, pensavo che non ne ero capace».

Poi cosa successe? «Passati sette mesi, Elvira Sellerio mi chiese un altro romanzo perché Montalbano aveva avuto un successo: le 80 mila copie di tutti i romanzi che avevo stampato  fino a quel momento diventarono  980 mila. Un successo italiano ma anche estero».

Io e la tv: il libro ma anche le immagini. Il passaggio di Montalbano alla tv è stato immediato?  «Si credo di si, è stato importante trasferire il romanzo nell’immagine. Rimane, comunque, un libro non una sceneggiatura, è una riproduzione che tiene conto del romanzo». Anche se poi Luca Zingaretti è molto diverso dal suo commissario. (Camilleri ride) «Si, Montalbano è pieno di peli, di capelli, di baffi, ha 10 anni di meno. Zingaretti è calvo, è diverso come aspetto, ciò non toglie che essendo un ottimo attore faccia un credibilissimo commissario».

Io e il successo: «La differenza la fa la Sicilia».  «Credo che il successo sia dato da una  base fondamentale che è la Sicilia, che da secoli ha un fascino particolare. Secondo elemento è  il racconto televisivo. La mia esperienza da regista mi ha aiutato a raccontare in un certo modo che, è sempre scrittura ma che tiene molto presente l’immagine».

Io e Fiorello: «Mi diverte». «Come vuoi che la viva? E’ divertente, perché dovrei prendermela, se sono il mio primo io a ridere? Sta dicendo una verità, quella che fumo. Un giorno abbiamo fatto una trasmissione  radio assieme: lui prima mi imitava poi mi passava il microfono. Ci credi che nessuno se n’è accorto?»

Io e la politica: «Non saranno anni facili ma si supereranno».  «Le mie posizioni sono ben precise, – spiega lo scrittore – sono sempre stato comunista e continuo ad esserlo, anche se ormai siamo come i dinosauri. Vittorio Alfieri diceva che la vecchiaia porta con sé “l’umore nero del tramonto”. Io non ce l’ho: per quanto le cose vadano male e, forse andranno anche peggio, ho molta fiducia nel genere umano».

Io e le donne al potere: «Ho più fiducia nelle donne che negli uomini». «Non riuscirò mai a vedere realizzato il mio sogno: quello che un giorno si parli di quote azzurre e non di quote rosa». Camilleri dice di sentirsi: «pronto a sottoscrivere un mondo governato dalle donne perché ho più fiducia in voi. Le donne sono incorruttibili e  hanno più capacità di ostinazione».  Nel commissariato di Montalbano vedremo qualche donna?  «Ma si – ride Camilleri – avevo pensato di farla entrare per mettere in imbarazzo Catarella».

Io, lo Stato e la mafia. In una metafora, Leonardo Sciascia parlava della “linea della palma”, paragonando la mafia alla pianta che man mano cresce. A che punto siamo? «La mafia è già arrivata al nord, in Lombardia abbastanza tranquillamente. I rapporti tra Stato e mafia ci sono sempre stati e continuano ad esserci perché i mafiosi – che non sono in carcere e che sono il 90% – votano un referente. E quindi che si fa? Si bestemmia, se si dice che la mafia è in Parlamento?La mafia è un potere, è il più grosso giro d’affari, non vuole scendere a patti e quindi è difficile sradicarla».

«Io – continua Camilleri – ho appoggiato subito l’iniziativa di Confindustria Sicilia che espelle i colleghi industriali che pagano il pizzo, finora sono 130 quelli esclusi. Con la mafia si può non convivere. Infatti, io non la faccio mai protagonista del mio racconto. Di certo non posso non parlarne, sarebbe un’ipocrisia e un tentativo di negare la realtà, però non si devono creare degli eroi: il boss nei libri e in tv ha immediatamente dei lati simpatici».

Io e il futuro: «Quel che ho in mente lo faccio». “Non ho progetto futuri, scrivo tutte le mattine, come un impiegato mi alzo presto, mi lavo, mi faccio la barba, mi vesto di tutto punto perché non mi piace scrivere in ‘ciavatte’, mi trasferisco nel mio studio e inizio. Non ho progetti, quello che ho in mente lo faccio”.

intervista e foto di Dominella Trunfio

Il protagonista, il dottor Faust (Johannes Zeiler), corrisponde al prototipo dell’intellettuale ottocentesco, in cerca di ogni tipo di risposte, da quelle materiali (come attestano le crude scene iniziali della sua dissezione di un cadavere), a quelle più metafisiche. Tuttavia la fame di Faust non è soltanto conoscitiva; si ritrova pertanto costretto a rivolgersi ad un misterioso usuraio, Mauricius (Anton Adasinsky), che in realtà è l’incarnazione del diavolo Mefistofele. Nonostante l’essenza spregevole di Mauricius traspaia già dal suo corpo deforme, Faust accondiscende alle condizioni propostegli per soddisfare tutti i suoi desideri, cosicchè i due iniziano ad intraprendere delle stravaganti avventure. Una di queste però, finisce male: in una bettola, Mauricius scatena una rissa con un giovane che sarà proprio Faust ad uccidere, anche se incidentalmente. Il tutto nella più totale indifferenza del resto degli uomini, troppo dediti ai loro piaceri vinaioli.

I sensi di colpa cominciano a tormentare Faust, accresciuti dal fatto che l’uomo da lui ucciso era il fratello di Margarete, una ragazza da cui era rimasto affascinato. Tuttavia, tra l’ammissione delle proprie colpe e le tentazioni della carne, Faust, sospinto dal suo malevolo suggeritore, sceglie le seconde, non rivelando nulla alla ragazza per tentare di sedurla. Mauricius, allora, propone a Faust un’ultima offerta irresistibile: una notte in compagnia di Margarete in cambio dell’anima della sua anima. Faust accetta, siglando con il proprio sangue il contratto col diavolo.  E dopo aver ottenuto ciò che voleva, a Faust non resta che abbandonarsi all’ultimo, lungo viaggio col demonio dal sorprendente finale.

E’ evidente già dalla trama che chi si aspettasse da questo film i forsennati ritmi hollywodiani o il classico lieto fine rimarrà deluso. Le vicende che si susseguono sono infatti poche, ma la peculiarità della narrazione sta tutta nella descrizione dell’altalena psicologico-emotiva vissuta da Faust. In un’atmosfera lugubre e funerea, ma sempre fiabesca e sospesa nel tempo, come solo ciò che è uscito dalla penna di Goethe sa esserlo, i sensi di colpa di Faust, la fragilità, il bisogno che lo rendono facile preda del Male si affollano nella sua mente, rendendolo incapace di porre fine a tutto ciò. Per questo dicevo che il Faust di Sokurov è un film che lascia il segno: le scelte, i bivi esistenziali di Faust diventano nostri, ponendoci di fronte problemi che siamo incapaci di risolvere definitivamente, come l’angoscia della morte, il valore della nostra esistenza, il peso delle nostre responsabilità, la facilità con cui cediamo alle scorciatoie per realizzare cinicamente i nostri obiettivi, della cui vacuità ci rendiamo conto sempre troppo tardi. Non è stato dunque un caso che, al termine della proiezione, le persone che affollavano la suggestiva arena del cinema allestita per l’occasione in Campo San Polo a Venezia se ne siano andate silenziosamente e più meditabonde che mai, come se avessero assistito ad una cerimonia. Cosa non da poco, visti i tempi che corrono.

Raul Catalano