Giovanni Modaffari

In soli nove mesi è diventato il cortometraggio italiano più premiato di tutti i tempi ricevendo dodici prestigiosi premi internazionali e trenta selezioni ufficiali di cui tre in festival del circuito “Academy Awards”. Stiamo parlando di Ice Scream, il corto distribuito in Italia da MTV e diretto dai registi Roberto De Feo e Vito Palumbo.

Noi di Liberareggio.org abbiamo incontrato Roberto per capire assieme a lui come un episodio di vita reale possa trasformarsi in finzione. O meglio come la finzione spesso si trasformi in realtà.

Come nasce Ice Scream?
Dall’esigenza di raccontare la realtà in maniera diversa da quella a cui ci ha abituato lo stile cinematografico italiano.
Il corto è ispirato ad un episodio di cronaca nera accaduto nel 2008, in provincia di Catanzaro.
Un ragazzo di buona famiglia cadde con il motorino finendo sulla fiancata dell’auto di un delinquente del posto. Questo pazzo decise di vendicarsi del danno subito e con l’aiuto di una coppia di amici, rapì il ragazzo, lo portò in campagna, e dopo averlo legato ad un albero e torturato, lo bruciò vivo.

Cosa vuole comunicare?
La cosa che mi sconvolse quando venni a conoscenza del macabro episodio fu che facendo delle ricerche, scoprii che storie di questo tipo sono all’ordine del giorno. Ormai si uccide per uno sguardo sbagliato, per un parcheggio, per dieci euro.
Volevo raccontare una storia che fosse un ritratto di quello che stiamo diventando, ovvero un mondo di m**da dove non si salva nessuno, compresi coloro che dovrebbero far rispettare la legge. Da qui il siparietto surreale che chiude il corto.

Registi di riferimento?
Quentin Tarantino. E chi ama il cinema non potrà non essersene accorto. Ice Scream è pieno di citazioni e riferimenti ai suoi film. Quentin è il mio idolo, i suoi film per me sono libri di storia. Non a caso l’intro del corto mostra Tarantino che ammazza Nanni Moretti seduto sulla panchina di Caos Calmo.

Progetti futuri?
Tanti, a cominciare dalla distribuzione del nostro ultimo cortometraggio, dal titolo Poppitu (www.poppitu.it). Poi grazie al successo che ha avuto Ice Scream, una casa di produzione di Beverly Hills ci ha proposto di trasformarlo in un film, così al momento stiamo lavorando per capire se davvero potrà realizzarsi un sogno di questa portata. Incrociate le dita per noi.

Teodora Malavenda

SITO UFFICIALE DEL CORTO: http://www.icescream.it
PAGINA FAN SU FACEBOOK: https://www.facebook.com/pages/ICE-SCREAM/129070483730
SITO DEI REGISTI: http://www.palumbodefeo.it/
MIO SITO PERSONALE: http://www.robertodefeo.com/

REGIA: Xavier Beauvois
SCENEGGIATURA: Etienne Comar, Xavier Beauvois
ATTORI: Lambert Wilson, Michael Lonsdale, Olivier Rabourdin, Sabrina Ouazani, Philippe Laudenbach, Jacques Herlin, Xavier Maly, Jean-Marie Frin, Abdelhafid Metalsi, Olivier Perrier, Adel Bencherif
FOTOGRAFIA: Caroline Champetier
DISTRIBUZIONE: Lucky Red
PAESE: Francia 2010
GENERE: Drammatico
DURATA: 120 Min
FORMATO: Colore

Uomini di Dio di Xavier Beauvois, nato dalla volontà del produttore cattolico Etienne Comar, è un perfetto esempio di come si possa ancora fare grande cinema affidandosi, come facevano Robert Bresson e Carl Dreyer, ai silenzi, agli sguardi, alla spiritualità e a temi che affrontano le grandi domande dell’uomo costretto a guardare in faccia la Storia.

Algeria, Tibhirine, sulle montagne dell’Atlante, nel marzo del 1996 otto monaci trappisti si ritrovano a dover fare i conti con l’amara verità che il mondo sta impazzendo, ormai uccidono anche gli imam: la pacifica convivenza con la popolazione locale musulmana è messa a soqquadro dall’avanzare delle forze della Jamaa al-Islamiyya; la vicenda è ancora oggi al centro di una complessa indagine giudiziaria riaperta dopo il reportage del giornalista americano John Kiser. La verità su quei giorni, narrata da Beauvois con uno sguardo mai corrotto dalla tentazione di mistificare gli eventi, è ancora da stabilire; il regista non si addentra nella controversia, evitando di fare del film un thriller politico su un intrigo internazionale; e non fa dei protagonisti dei martiri da strumentalizzare, anche se si diventa martiri per amore e per fedeltà.

Beauvois ci mostra una parte di Storia su cui troppo velocemente è stato steso un velo di silenzio, suggerisce, parafrasando Pascal, che non si fa mai il male così pienamente e allegramente come quando lo si fa per motivi religiosi. Da qui viene la confusione e la violenza. La narrazione segue con uno sguardo discreto la quotidiana vita monastica dei protagonisti, corpi immersi nella natura tra lavoro, preghiere, canti, pasti e impegno per il prossimo, secondo una ritualità capace di unire il cielo e la terra. Perfettamente integrati nel tessuto sociale musulmano, i monaci guidati dal priore Christian de Chergé sono vivono in concreta fratellanza con la popolazione islamica di cui si prendono letteralmente cura: ogni «Amen» è sempre seguito da «insha’llah», testimoniando con la propria vita un amore per l’umanità che va oltre le barriere culturali e religiose, rimettendosi nelle mani della volontà di un Dio unico.

Una vocazione ben resa dal titolo originale del film, Des hommes et des dieux e, come troppo spesso accade, in parte tradita da quello italiano. Il 30 ottobre 1994 il Gia (Gruppo Islamico Armato) ordinò a tutti gli stranieri di abbandonare l’Algeria, ma i monaci decisero di restare al fianco di chi aveva bisogno di loro, convinti di non poter tradire la loro fede e la fiducia in una comunità basata sulla tolleranza: partire è morire. Non temo la morte, sono un uomo libero, dice Lambert Wilson nei panni di padre Christian. La forza, il rigore e il coraggio del film stanno proprio in questo, nella decisione di riflettere sulla difficoltà di una scelta non priva di dubbi, angosce e tensioni, di offrire a un pubblico abituato a velocità ed effetti speciali, adrenalina e 3D un mondo fatto di lentezza, contemplazione e popolato di persone capaci di un amore e una compassione straordinari, pronti all’estremo sacrificio pur di dedicare la propria vita agli altri, riconoscendo un monismo religioso che va oltre la presunzione di voler a tutti i costi parlare di religioni piuttosto che di differenti religiosità.

Uomini di Dio lascia aperti alcuni interrogativi non solo spirituali, ma culturali: ci costringe con estrema delicatezza a riflettere sul fatto che le differenze esistano tanto quanto siamo noi a dar loro vita.

Letizia Cuzzola

A rappresentare la Calabria, due registi già conosciuti e apprezzati dalla critica internazionale. Ricordiamo la loro partecipazione al Torino Film Festival (Il canto dei nuovi emigranti) e quella alla 50 ª edizione del Festival dei Popoli (Amabile Azzurro). Loro sono Felice D’Agostino e Arturo Lavorato.

In Attesa dell’Avvento, questo il titolo del corto con il quale hanno concorso e vinto a Venezia nella Sezione Orizzonti, speciale sezione internazionale dedicata al cinema di ricerca, si è distinto e ha ottenuto il riconoscimento ufficiale della giuria, per avere “esplorato i lati oscuri delle politiche passate e le cruciali implicazioni sulle incertezze del presente”.

Un lavoro preparatorio alla realizzazione di un lungometraggio che affronterà il tema del Risorgimento con una chiave di lettura contraria alle versioni ufficiali.

Tre le date che ricorrono nell’opera: 1861-1971-2011. Centocinquanta anni di avvenimenti e di ricordi che riaffiorano nella memoria della gente del sud. Gente alla quale, ed è opinione sempre più diffusa, l’Unità d’Italia non ha apportato miglioramenti, anzi si può dire che la situazione del sud, a partire da quella data, sia addirittura peggiorata. Non a caso i due registi dedicano la vittoria a Nicola Zitara che sui temi del Risorgimento e del meridionalismo, si è da sempre speso. Il sud si trova oggi schiacciato da un sistema economic

o sempre più avviluppato nelle spire del fenomeno mafioso e si configura come una vera e propria colonia interna.

E mentre l’Italia festeggia e celebra i centocinquanta anni della sua unità, molti come Felice e Arturo si chiedono, in fondo, quanto ci sia da festeggiare.

A seguire riportiamo l’intervista fatta ai due vincitori.

Come nasce In attesa dell’avvento?
Nasce come cortometraggio-studio del lungo che da un pò di mesi, insieme ad alcuni dei nostri paesani e compagni di lotta, stiamo faticosamente cercando di scrivere. Un film che ha per  soggetto l’ Unità d’ Italia ovvero, per prendere in prestito le parole di Carlo Alianello, scrittore fondamentale nella nostra ricerca storica, “La conquista del sud”.

Cosa rappresenta per voi il Premio Orizzonti ?
Il riconoscimento di un percorso politico-estetico che da anni ci sta portando a raccontare la nostra Terra e i nostri compaesani. Raccontare la Calabria per noi è molto importante, in quanto risponde alla necessità intima di elaborare i motivi che ci hanno catapultato fuori da essa. Crediamo molto nella nostra gente e riteniamo sia opportuna una riflessione collettiva utile al fine del riconoscimento dei drammi vissuti in quanto popolo calabrese.

Quali registi seguite con interesse?
Sicuramente tra i nostri riferimenti ci sono J.L.Godard, J.M. Straub, Theo Anghelopoulos, Werner Herzog, solo per citarne alcuni. In Italia tanti “maestri” dell’underground degli anni ‘70. Uno su tutti Tonino De Bernardi. Poi il “nostro” Vittorio De Seta insieme a Di Gianni, Cecilia Mangini, Lino Del Fra e buona parte dei registi cosiddetti post-demartiniani.

Si può fare quello che fate ai vostri livelli rimanendo in Calabria?
Se ci si allunga in meravigliose contorsioni, come rami nel fitto del bosco per cercare luce, la risposta è si. Basti pensare al regista Tommaso Cotronei, che pur rimanendo a Dinami, ha esportato il suo lavoro, nei migliori festival internazionali. Più che possibile, pensiamo sia necessario. Dalle esperienze quotidiane traiamo la linfa indispensabile affinchè le nostre radici si fortifichino e penetrino sempre più nella terra che ci sostiene.

Quale ruolo vuole e può avere il documentario in uno scenario come quello contemporaneo?
Il documentario, in tutti i periodi in cui il cinema sembrava ristagnare negli acquitrini delle grandi produzioni incatenato ai dogmi e alle costrizioni delle sceneggiature, ha sempre contribuito a rivoluzionare i linguaggi e le forme. Basti pensare a quello che è stato il Neorealismo in Italia o la Nouvelle Vague in Francia, che dal “fare cinema in modo documentario” presero moltissimo. Non parlerei di documentario, termine nato da futili esigenze di mercato per ghettizzare una forma di cinema molto pericolosa, quanto piuttosto di cinema che si confronta direttamente col reale.
Figuriamoci il ruolo che può avere oggi dove il paradigma audiovisivo generalizzato e generalista è costituito da fiction televisive e talk show. Può davvero essere un elemento dinamitardo e rigenerante della nostra condizione. Di spettatori e quindi di cittadini.

Teodora Malavenda

Calabria Ora riproduce integralmente le critiche della figlia di Zitara agli autori del corto premiato a Venezia senza prendere in considerazione i commenti della madre e moglie dello stesso “Sono sinceramente contenta che questi due giovani abbiano toccato la parte più incisiva e attuale dell’opera e del pensiero di Zitara. …Non ricordo con esattezza i volti dei due autori poiché a casa nostra c’era sempre un gran via vai, ma sono sicura che Felice D’Agostino sia venuto ad intervistare mio marito nel periodo in cui stava ancora bene e la sua malattia non si era conclamata. …Ad entrambi chiedo di continuare su questa strada perché Zitara è un grande maestro, non un falso profeta”. Con queste parole Antonia Capria Zitara, moglie di Nicola, commenta la notizia della vittoria a Venezia del nostro cortometraggio “In attesa dell’ avvento”per la sezione Orizzonti. Se non temessimo di risultare irriconoscenti al cospetto delle lusinghiere e per noi esaltanti motivazioni con cui la giuria della sezione ha inteso argomentare la scelta, ci verrebbe fatto di affermare che queste parole ci toccano ancor più nel profondo e ci commuovono, cogliendo appieno le intenzioni del film. Confidiamo che la signora Capria Zitara confermi il giudizio una  volta presa visione dell’opera. Mette conto però precisare che quella visita, alla quale partecipammo entrambi, nulla ha a che vedere con la realizzazione del cortometraggio. La nostra conoscenza del pensiero di Nicola Zitara risale infatti alla metà degli anni novanta, quando, conseguita o conseguenda l’età della ragione, i testi del teorico ci furono molto utili per orientare la nostra formazione politica ed intellettuale. L’intervista che andammo a realizzare a Siderno, nell’occasione cui fa riferimento la signora, era mossa dalle richieste di una persona terza, presente all’incontro, che aveva intenzione di realizzare un documentario sull’ emigrazione calabrese e fu pertanto da noi consigliata di conferire con Zitara e da noi gentilmente accompagnata all’incontro. Di quella video-intervista noi non abbiamo mai neppure preso successiva visione, poiché il nastro della registrazione è rimasto al legittimo proprietario che ricevette allora dall’intervistato regolare liberatoria. Ancora: lo stesso cortometraggio non nasce affatto da uno spunto di Zitara. Nasce dalla nostra esigenza di esprimere un punto di vista radicale ed “altro” entro i termini di quest’anno, nel corso del quale tanto, troppo, si son profuse le stucchevoli e sempre mistificatorie celebrazioni “unitarie”. I riferimenti, nella dedica finale del film, nel titolo e in un cartello, restano postumi alla costruzione filmica e rispondenti all’esigenza di rendere omaggio alla figura intellettuale che più ci ha orientato nell’elaborazione di un punto di vista nostro su queste cose. Un’esigenza etica motivata anche dall’insufficiente rilevanza attribuita, anche in seguito alla sopravvenuta morte, a questo grande teorico del neomeridionalismo. Ma nostro resta il punto di vista e nostro il film, che a titolo del tutto gratuito viene dedicato alla figura di Zitara ed a quella di Ciccio Svelo. In verità, si può dire che tutta la nostra opera, dai primi documentari fino ai lavori più recenti, che forzano questo genere nella direzione di una ricerca espressiva che non si accomoda agli schemi convenzionali, tutti i nostri film insomma sono ispirati da Nicola Zitara, poiché tutti esprimono, in modo ognuno diverso e per diversi aspetti, la nostra visione della condizione storica e sociale della Calabria e delle popolazioni che vi risiedono e tale visione è marcatamente influenzata dallo studio delle opere di Zitara. Marcatamente. Ma non esclusivamente. Vi è Gramsci, vi è Rosario Romeo, prima del maestro di Siderno, e Capecelatro e Carlo, dopo, ed altri ancora e addirittura, passando dalla scientifica trattazione all’arte, Carlo Alianello nel romanzo, Franco Costabile nella Poesia ed Enotrio Pugliese nella pittura, altrettanto importanti testimoni e rivelatori di una storia e di una condizione. Figure queste ultime, Costabile ed Enotrio, cui abbiamo esplicitamente dedicato precedenti documentari pure presentati in festival prestigiosi. Chiariamo subito che tale puntualizzazione non è in nulla spontanea ed anzi intensamente motivata dalle parole, brutte ed offensive, quelle si davvero e del tutto gratuite, con cui ha inteso commentare la nostra opera ed i riconoscimenti da questa conseguiti un’altra parente del nostro maestro putativo: la figlia Lidia, in totale ed evidente contraddizione con le dichiarazioni della madre. Non ripetiamo qui gli argomenti della signora Lidia Zitara, per ragioni di economia e consapevoli della nostra colpevole tendenza, ancorché benintenzionati, ad essere prolissi. Rimandiamo pertanto chi fosse interessato al link:http://www.scirocconews.it/index.php/2011/09/19/zitara-in-attesa-dellavvento-potevate-almeno-dircelo/ Risponderemo invece punto per punto agli addebiti che la stessa ci muove:
1- Come abbiamo detto, l’opera non è affatto ispirata da Zitara, come invece si può dire lo sia per intero il nostro pensiero. Speriamo non si senta defraudata, la signora, ogni volta che proferiamo parola senza prima renderla partecipe delle nostre considerazioni in qualche modo ispirate dall’illustre genitore. Essa, l’opera filmica, è solamente dedicata, appunto, a Nicola Zitara. Gesto per il quale rivendichiamo la piena legittimità anche in mancanza di previa comunicazione ai congiunti. Un omaggio cui nessuno ci obbligava e cui tuttavia abbiamo dato in ogni contesto, compresa appunto la premiazione, la massima pubblicità. Se, ancora, la signora pensa che si tratti di un film sul padre, sulla sua figura o sul suo pensiero, che questo contenga parti della suddetta intervista ovvero che in esso siano utilizzate parti della sua pregiata opera intellettuale, riconduciamo tutto a banale equivoco ed insieme, ci sia concesso di dirlo, alla superficialità di chi si lascia muovere ad una tal scomposta reazione senza prima rendersi pienamente edotta della materia. Se invece, come sembra, la signora contesta la legittimità anche solo di parafrasare il titolo di uno scritto del teorico, appunto quell’ “in attesa dell’avvento” che al film dà un titolo per nostra volontà, torniamo a rivendicare il nostro diritto;

2- Non ci risulta usurpazione dal riconoscere platealmente un debito teorico attraverso suddetta parafrasi né di levare diritto alcuno alla discendenza operando il detto omaggio senza prima adoperarsi a propedeutica avvertenza. In cosa poi questo rappresenti un operare in “segretezza” o peggio “metterlo in quel posto” a chicchessia, non ci è dato capire.

Infine, se negli ultimi tempi non fossimo presi dalla convulsione degli impegni, avremmo spontaneamente e gratuitamente già inviato copia del film alle interessate, come faremo e come è nostro costume fare in generale verso chiunque ce lo chieda o sia in qualunque modo coinvolto nella nostra opera. Regole di buona condotta cui pure la signora Zitara non ottempera affatto, lanciandoci accuse gratuite ed offensive per le quali ci aspettiamo pronte le scuse. Altra cosa sarebbe se il nome del congiunto fosse associato ad opera che fa propaganda di idee opposte alle sue. In considerazione di ciò, ci disponiamo a ricevere ed accettare le sue scuse non appena si sia resa conto, presa visione del film, che nessuno, assolutamente nessuno, comportamento lesivo dei suoi diritti, della sua persona e tantomeno della memoria del congiunto, ha ella ragione di addebitarci, e che invece così temerariamente e pubblicamente ci addebita. E sia detto per inciso: nelle parole in libertà profuse a nostro danno, la signora Zitara azzarda anche una valutazione sulla sezione del festival alla quale abbiamo partecipato. Non per spirito d’autocelebrazione ma per rendere giustizia ai professionisti che a quella sezione lavorano, ci preme chiarire come tra le sezioni del festival che affiancano il concorso principale – “controcampo italiano”, “giornate degli autori”… – Orizzonti è forse la più prestigiosa in quanto sezione internazionale dedicata al cinema di ricerca – una volta si usava il termine avanguardia – cui quest’anno ha partecipato e vinto una gloria del cinema contemporaneo mondiale come Shinya Tsukamoto e alla cui giuria ha preso parte in veste di presidente uno dei vertici della cinematografia contemporanea nella persona di Jia Zhang-Ke. L’ignoranza è una brutta bestia, soprattutto quando si consideri tale non tanto l’incolpevole sconoscenza di cose che esulano dal proprio seminato quanto l’uso barbaro di parametrare importanza e valore di persone e cose in base alla quantità di flash e ribalte che a queste dedica il sensazionalismo spettacolare. Detto ciò, resta molto grave e terribilmente lesivo della nostra immagine l’attribuirci scorrettezze ed irriconoscenze verso chi è coinvolto o collabora con noi nella realizzazione dei film, cosa che non riguarda comunque la signora Zitara. Elemento distintivo e fondamentale del nostro metodo è infatti il rispetto con cui ci relazioniamo sempre alle persone ed ai territori, che tra l’altro sono sempre gli stessi e segnatamente quelli di Nicotera Marina e dintorni e di quante e quanti vi dimorano. Ci mortifica e ci fa rabbia pertanto che tale infamante accusa venga rivolta proprio a noi che realizziamo i nostri film senza contributo economico alcuno da parte di chicchessia e senza nessun guadagno, che pure sarebbe legittimo, cosa rimasta vera anche dopo il premio di Venezia che non accompagna alla gloria alcun contenuto pecuniario. L’unico reale guadagno di cui possiamo sempre giovarci attraverso la realizzazione dei nostri film è proprio quello della ricchezza umana che ci viene dalla relazione con chi è coinvolto con noi all’opera e dall’approfondimento del rapporto, di amicizia e collaborazione insieme, che viene ad ogni nuova esperienza comune. Muove a scandalo, quindi, leggere il titolo con cui Calabria Ora ha dato pubblicità alle dichiarazioni della signora Zitara: “Due registi dalla memoria troppo corta”. Ancora più vergognoso lo stigma con cui ci segna, mettendo a didascalia di una nostra foto la parola “irriconoscenti”. Tanto più che si menzionano le dichiarazioni infamanti della figlia omettendo consapevolmente quelle opposte della madre. Fin qui stando all’evidenza delle parole scritte. Quando poi si consideri che a questo episodio dai tratti di sordido gossip si è voluta dare molta più enfasi che non alla notizia della premiazione, con un titolo dalle dimensioni tre volte superiori, posizionato nel taglio alto, quando l’altro veniva relegato in basso alla pagina… Quando si consideri la moderazione con cui il giornale ha reso conto della nostra partecipazione e vittoria al più importante festival del cinema d’Italia, quando su altre e ben meno significative opere ed occasioni si sprecano intere pagine, fiumi d’inchiostro e quantità di foto… Allora viene difficile non pensare che alla “svista” della signora Zitara si sia sommata una malafede giornalistica dal movente a noi sconosciuto. Restiamo però disposti al beneficio del dubbio e pronti a ritrovarci smentiti qualora la testata medesima decidesse di chiederci scusa e di pubblicare questa nostra nota di chiarimento, che alla stessa trasmettiamo in forma ridotta, con l’opportuna e doverosa enfasi, in ogni caso non inferiore a quella data alle panzane della signora Zitara.

Felice D’Agostino

Arturo Lavorato

“Chi si conforma alla consuetudine passerà sempre per un uomo onesto. Si chiamano persone per bene quelle che si comportano come gli altri”

Anatole France, Crainquebille, 1901

Mija è una donna di sessantasei anni, vive con un sussidio statale che arrotonda occupandosi di un anziano paralitico, ama i fiori e li indossa quotidianamente insieme al buonumore nonostante le numerose difficoltà che incontra anche nel dover crescere il nipote Jongwook, affidatole dalla figlia dopo la separazione dal marito.

La serena e lenta vita di provincia in cui Mija si muove con un’eleganza particolare, dettata dalla sua dignità e da quei momenti di realtà che inizia a perdere per un principio di Alzheimer, viene scossa dalla scoperta di un cadavere sul fiume: è di Agnes, una ragazzina buttatasi giù da un ponte con tutti i suoi sogni. Anche Mija ha un sogno: vorrebbe scrivere almeno una poesia, sulla scia del ricordo di una maestra che le disse che da grande sarebbe stata una poetessa. Frequenta un corso che le insegni più a cercare l’ispirazione che le regole di scrittura. Di regole, ma soprattutto formalità, nella società narrataci da Lee Chang- dong sembra ce ne siano anche troppe e Poetry si presenta agli occhi dello spettatore come un ritratto severo del cambiamento di valori della società sud coreana.

Il suicidio della giovane, compagna di scuola del nipote di Mija sembra non toccare affatto la routine familiare, se non fosse per il fatto che fra i ragazzi che hanno violentato Agnes per mesi c’è proprio Jongwook…

Per scrivere una poesia bisogna vedere, l’ispirazione passa attraverso gli occhi ancor prima che dal cuore. Vedere è la cosa più importante nella vita. E Mija inizia a concentrare la sua attenzione su quei frammenti di bellezza che l’ambiente che la circonda le offre: di fronte al dolore nello scoprire che il nipote è coinvolto nella morte della giovane suicida, lei si rifugerà nell’osservazione di alcuni fiori all’esterno del locale in cui apprende la notizia…

La narrazione di Lee Chang- dong ci presenta una donna solo apparentemente fragile, lontana dalla realtà, ma in realtà ben ferma nel non scendere a compromessi, nel non lasciarsi portar via quella dignità e moralità che l’hanno resa bella e dolce come un fiore che non appassisce alle intemperie.

Come un’eroina di Pessoa, Mija sembra non sfiorare la vita nemmeno con l’orlo dei vestiti, le passa attraverso semplicemente guardandola, prendendo nota sul suo taccuino, come se un qualunque gesto possa dissolvere il suo sogno; come le ripete il suo insegnante di poesia, bisogna scoprire la vera bellezza in ciò che abbiamo davanti ai nostri occhi nella vita quotidiana ed è questo che l’anziana donna tenta di fare con tutte le sue forze.

La forza di Poetry sta nella sua sceneggiatura, curata dallo stesso regista, che lascia lo sguardo dello spettatore libero di elaborare spunti di riflessione, di osservare, senza rendersene conto, il mondo con gli occhi della protagonista; nonostante si avverta la tensione emotiva, Lee Chang- dong riesce a non scadere mai nel melodrammatico, banalizzando o svilendo le sfumature caratteriali di Mija: la sua stessa malattia sembra non esser altro che uno dei tanti ostacoli che la vita le pone davanti, come se fosse lei a dover avere pietà del mondo e non viceversa.

L’intera trama del film sembra seguire la costruzione di una composizione poetica, fino a giungere ad un finale intriso della libertà dello sguardo di rielaborare e reagire alla realtà: la vera essenza di Mija e la sua scelta di non piegarsi alle imposizioni della Vita si svelano nelle sequenza finali, regalandoci come un foglio bianco, un mondo di puro potenziale e un mondo prima della creazione.

Chang- dong si conferma come uno dei più importanti registi e sceneggiatori del nuovo cinema asiatico, restituendoci un’immagine della vita che resta a lungo impressa nella memoria dello spettatore, che viene accompagnato con grazia dalla protagonista di Poetry in un delicato viaggio alla scoperta della bellezza, insegnandoci che amare la poesia significa cercare la bellezza.

Letizia Cuzzola

Il protagonista, il dottor Faust (Johannes Zeiler), corrisponde al prototipo dell’intellettuale ottocentesco, in cerca di ogni tipo di risposte, da quelle materiali (come attestano le crude scene iniziali della sua dissezione di un cadavere), a quelle più metafisiche. Tuttavia la fame di Faust non è soltanto conoscitiva; si ritrova pertanto costretto a rivolgersi ad un misterioso usuraio, Mauricius (Anton Adasinsky), che in realtà è l’incarnazione del diavolo Mefistofele. Nonostante l’essenza spregevole di Mauricius traspaia già dal suo corpo deforme, Faust accondiscende alle condizioni propostegli per soddisfare tutti i suoi desideri, cosicchè i due iniziano ad intraprendere delle stravaganti avventure. Una di queste però, finisce male: in una bettola, Mauricius scatena una rissa con un giovane che sarà proprio Faust ad uccidere, anche se incidentalmente. Il tutto nella più totale indifferenza del resto degli uomini, troppo dediti ai loro piaceri vinaioli.

I sensi di colpa cominciano a tormentare Faust, accresciuti dal fatto che l’uomo da lui ucciso era il fratello di Margarete, una ragazza da cui era rimasto affascinato. Tuttavia, tra l’ammissione delle proprie colpe e le tentazioni della carne, Faust, sospinto dal suo malevolo suggeritore, sceglie le seconde, non rivelando nulla alla ragazza per tentare di sedurla. Mauricius, allora, propone a Faust un’ultima offerta irresistibile: una notte in compagnia di Margarete in cambio dell’anima della sua anima. Faust accetta, siglando con il proprio sangue il contratto col diavolo.  E dopo aver ottenuto ciò che voleva, a Faust non resta che abbandonarsi all’ultimo, lungo viaggio col demonio dal sorprendente finale.

E’ evidente già dalla trama che chi si aspettasse da questo film i forsennati ritmi hollywodiani o il classico lieto fine rimarrà deluso. Le vicende che si susseguono sono infatti poche, ma la peculiarità della narrazione sta tutta nella descrizione dell’altalena psicologico-emotiva vissuta da Faust. In un’atmosfera lugubre e funerea, ma sempre fiabesca e sospesa nel tempo, come solo ciò che è uscito dalla penna di Goethe sa esserlo, i sensi di colpa di Faust, la fragilità, il bisogno che lo rendono facile preda del Male si affollano nella sua mente, rendendolo incapace di porre fine a tutto ciò. Per questo dicevo che il Faust di Sokurov è un film che lascia il segno: le scelte, i bivi esistenziali di Faust diventano nostri, ponendoci di fronte problemi che siamo incapaci di risolvere definitivamente, come l’angoscia della morte, il valore della nostra esistenza, il peso delle nostre responsabilità, la facilità con cui cediamo alle scorciatoie per realizzare cinicamente i nostri obiettivi, della cui vacuità ci rendiamo conto sempre troppo tardi. Non è stato dunque un caso che, al termine della proiezione, le persone che affollavano la suggestiva arena del cinema allestita per l’occasione in Campo San Polo a Venezia se ne siano andate silenziosamente e più meditabonde che mai, come se avessero assistito ad una cerimonia. Cosa non da poco, visti i tempi che corrono.

Raul Catalano

La televisione crea l’oblio, il cinema ha sempre creato dei ricordi.
Jean-Luc Godard

Edoardo Winspeare, un nome altisonante per un figlio del Sud, che ha fatto dell’amore per la sua terra, il Salento, capolavori come Sangue vivo (2000) o Pizzicata (1996). Lo incontro in occasione della proiezione del suo ultimo documentario Sotto il Celio Azzurro, nell’àmbito della rassegna Tutti a Scuola, organizzata dal Circolo del Cinema “C. Zavattini” e la disponibilità a rispondere a qualche mia domanda è immediata. Anche il dibattito che ha seguito la proiezione, mi dimostra quanto già percepito istintivamente: Edoardo non è un divo, ma una persona che ama e crede fermamente in quel che fa e riesce a trasmettere l’entusiasmo che lo anima al pubblico. Ma passiamo alla nostra chiacchierata:

Nelle note di regia di Sotto il celio Azzurro dici che ‘Esiste anche un’Italia bella che vale la pena raccontare’. Cosa rende oggi l’Italia un brutto Paese?
Ho sempre paura di sembrare un regista snob, elitario, ma sono piuttosto popolare. Il popolo oggi ha un linguaggio inculcato dalla Tv, ma c’è un’anima popolare nobile. Noi abbiamo rinnegato il nostro passato popolare, ma non è così in Germania o nel Regno Unito. L’Italia è un Paese che non si ama. Mi occupo del Sud per mia limitatezza, perché è la mia terra. Quando ho visto la Puglia cambiare, come la Calabria o la Sicilia, ho avuto l’impressione che tutto quello che riguarda l’ambiente fosse un discorso per privilegiati. Se non riconosciamo più il paesaggio in cui viviamo non riconosciamo più noi stessi. Ci stiamo involgarendo. Se noi meridionali perdiamo il senso di comunità, solidarietà perdiamo tutto.

La bellezza fa anche parte del progetto Coppula Tisa. Cosa mi dici al riguardo?
Coppula Tisa era qualcosa che doveva iniziare e finire subito per i costi eccessivi. Abbiamo fatto due azioni: la prima era una casa di 250mq buttata giù come azione dimostrativa e ceduta al comune; la seconda era una discarica abusiva che è stata ripulita ed è stato molto difficile perché molta gente arriva ad insultarti perché ‘disturbi’, crei dei precedenti. L’abusivismo è troppo spesso alimentato dai politici locali. Per esempio, abbiamo scoperto che per avere il permesso di abbattimento ci vuole più o meno un anno e mezzo. Qualcuno è arrivato a definirmi per queste azioni un radical chic neoborbonico… per fare qualcosa in Italia del Sud ci vuole molto umorismo…

Qual è la domanda che nessuno ti ha mai fatto ma che avresti voluto ti fosse fatta…?
Probabilmente una domanda per cui ti rispondo e poi ti richiamo per dirti ‘no’… forse nessuno mi ha mai chiesto perché sono rimasto in Puglia, e mi rispondo…: Perché amo moltissimo questa terra. Nonostante tutto questa è la culla della civiltà europea. Nonostante tutto. Dopo il 1860 ci si è dimenticati del Sud. Ma non è una lamentela: non dobbiamo lamentarci ma agire!

Un piccolo aneddoto: la chiacchierata di cui avete appena letto l’abbiamo fatta seduti su una panchina della Via Marina, con lo sguardo rivolto verso le rive messinesi ed un altro aneddoto che Winspeare ama orgogliosamente raccontare: mi dice ‘Esisto grazie al terremoto’, la nonna restò coinvolta nel terremoto che distrusse Reggio e Messina nel 1908 e qui conobbe il nonno, giunto in Sicilia a portare con la Marina Militare i primi soccorsi. E con orgoglio concludiamo questo articolo, sapendo che una piccola parte di questo Sud ancora più profondo scorre nelle sue vene e porta in giro un messaggio di risveglio delle coscienze ed eccellenza. Grazie Edoardo!

Letizia Cuzzola

presso l’Aula Magna dell’Istituto“R. Piria” – Reggio Calabria

avrà luogo la proiezione di

Sotto il Celio Azzurro

seguirà il dibattito alla presenza del regista Edoardo Winspeare

La proiezione si inserisce all’interno della rassegna “TUTTI A SCUOLA!”, organizzata dal Circolo del Cinema “Cesare Zavattini” e dalla FLC-CGIL di Reggio Calabria. Sette nuovi documentari sulla scuola italiana e le problematiche che oggi la attraversano.

Il Celio Azzurro non è una scuola materna, o almeno non soltanto, è quasi una casa, una casa che contiene il mondo intero e tutte le sue speranze. Nato nel 1990 come luogo d’accoglienza per bambini immigrati ed italiani, diventa ben presto un punto di riferimento, in cui i Paesi d’origine delle famiglie diventano luoghi dell’anima, della memoria da condividere: uno dei punti cardine della didattica si basa sulla partecipazione dei genitori, una volta alla settimana, alle attività della scuola.

Winspeare ci racconta con un tocco leggero, ma incisivo per la memoria dello spettatore che resta vinto dalla curiosità, il trascorrere di quattro stagioni, questo universo formato da 45 bambini di 32 nazionalità diverse che costruiscono quotidianamente un nuovo mondo possibile, un’Italia che non ti aspetti, regalandoci anche uno spaccato dell’Italia che ancora crede, spera e si adopera perché si comprenda che lo sviluppo di una società passa attraverso l’integrazione, riabilitando anche l’istituzione scolastica, soprattutto pubblica, troppo spesso accusata di non riuscire ad assolvere al proprio dovere.

Celio Azzurro arranca, potendo contare unicamente sul sovvenzionamento statale, sempre più scarso nel corso dei venti anni di esistenza del Centro, e vive del continuo contrasto tra la passione di chi ci lavora e la difficoltà di mandarlo avanti, tanto da non essere chiaro quanto ancora possa sopravvivere.

“Il regista pugliese conferma con questo film le sue straordinarie doti artistiche. È per questa ragione che il nostro Circolo del Cinema – dichiara Letizia Cuzzola del Circolo “Zavattini” – è particolarmente orgoglioso di averlo come ospite, in occasione della proiezione del film. La presenza di Edoardo Winspeare costituirà un momento di grande interesse per il dibattito che seguirà alla proiezione proprio perché conosciamo la sua sensibilità – prosegue Cuzzola – e prova ne sia questo film e i suoi precedenti che dal racconto di un mondo carico di un retroterra culturale arcaico come Pizzicata (1995) e Sangue vivo (2000) arriva all’esplorazione del mondo dell’infanzia con Il miracolo (2003). Con questo nuovo lavoro, presentato al Festival di Roma nella penultima edizione, punta l’attenzione sull’educazione all’integrazione e sulla spontaneità infantile nell’accettazione dell’altro”.

Circolo del Cinema “Cesare Zavattini”

FLC – CGIL Reggio Calabria

“Dici: ‘è faticoso lavorare con i bambini’, hai ragione, aggiungi: ‘perché bisogna mettersi al loro livello, abbassarsi, scendere, farsi piccoli’. Sbagli, non è questo l’aspetto più faticoso. È piuttosto di essere costretti ad elevarsi fino all’altezza dei loro sentimenti… di stiracchiarsi, allungarsi, sollevarsi sulle punte dei piedi, per non ferirli”
J. Korczak

Il Celio Azzurro non è una scuola materna, o almeno non soltanto, è quasi una casa, una casa che contiene il mondo intero e tutte le sue speranze. Nato nel 1990 come luogo d’accoglienza per bambini immigrati ed italiani, diventa ben presto un punto di riferimento, in cui i Paesi d’origine delle famiglie diventano luoghi dell’anima, della memoria da condividere: uno dei punti cardine della didattica si basa sulla partecipazione dei genitori, una volta alla settimana, alle attività della scuola. La bellezza della formazione, quale futuro dell’umanità, passa attraverso lo scambio dei ricordi: madri e padri ripercorrono la loro infanzia, in un montaggio di regressione attraverso le foto, per cercare l’ispirazione per la loro missione di educatori, senza dimenticare che un ruolo fondamentale lo gioca il sesto senso: la fantasia. Ma anche la fantasia a volte non basta, il continuo gioco di flashback con cui il regista ci mostra gli adulti tornare indietro con la memoria, è fondamentale per rendere, in un gioco di riflesso bambino/ adulto, protagonisti i bambini: ai bambini piace l’idea che siete stati piccoli (…), è sulla garanzia che voi siete stati piccoli per loro, è sulla fiducia. È ripercorrendo la propria infanzia che si può comprendere quella dei propri figli. Dunque, il Celio Azzurro è una scuola di vita, in cui soprattutto le famiglie sono chiamate a giocare il loro ruolo fondamentale di agenzia educativa, la novità è tutta qui: non delegare la formazione/ educazione dei propri figli ad altri, ma crescere insieme.

Winspeare ci racconta con un tocco leggero, ma incisivo per la memoria dello spettatore che resta vinto dalla curiosità, il trascorrere di quattro stagioni, questo universo formato da 45 bambini di 32 nazionalità diverse che costruiscono quotidianamente un nuovo mondo possibile, un’Italia che non ti aspetti. In una società sempre più chiusa, anche il giardino della scuola può diventare un laboratorio, uno spazio da condividere, in cui imparare a costruire il proprio mondo, a dimostrazione che per insegnare/ imparare veramente è necessario ‘sporcarsi le mani’. Winspeare ci regala con questo suo documentario uno spaccato dell’Italia che ancora crede, spera e si adopera perché si comprenda che lo sviluppo di una società passa attraverso l’integrazione, riabilitando anche l’istituzione scolastica, soprattutto pubblica, troppo spesso accusata di non riuscire ad assolvere al proprio dovere.

Celio Azzurro arranca, potendo contare unicamente sul sovvenzionamento statale, sempre più scarso nel corso dei venti anni di esistenza del Centro, e vive del continuo contrasto tra la passione di chi ci lavora e la difficoltà di mandarlo avanti, tanto da non essere chiaro quanto ancora possa sopravvivere…

Letizia Cuzzola

È il mondo della scuola, tra gli altri temi che riguardano la struttura sociale del nostro paese, ad essere adesso al centro del dibattito. Le riforme, la loro corrispondenza alle reali esigenze dei fruitori, i movimenti antagonisti, sono questi i temi di cui sono piene le pagine dell’informazione scritta e parlata.

Il cinema non si esime dall’entrare in gioco, non rinuncia alla propria caratteristica di mezzo multimediale e multivalente, collabora con il mondo che gli gira intorno, partecipa al dibattito, alla discussione, ponendo sul tappeto altri argomenti, altri spunti, altre domande. Il cinema al solito non può proporre soluzioni, altri sono deputati a questo, ma può documentare esperienze con lo scopo che ciascuno ne tragga la conclusione.

«Il Circolo del Cinema “Cesare Zavattini” – ha dichiarato Tonino De Pace, Presidente del Circolo “C. Zavattini” – ha colto questo sentimento collettivo di malcontento che si percepisce ascoltando i protagonisti del mondo della scuola, selezionando sette film che sono stati realizzati tutti negli ultimi due anni, segno di un’attenzione e di una necessità espressiva che ha certamente un significato, i cui autori non soltanto utilizzano il mezzo per esporre idee e raccontare storie, ma con la consapevolezza di praticare il cinema non come spettacolo, ma come “visione del mondo”, secondo le parole di Vladimir Majakovskij».

«La FLC CGIL di Reggio Calabria e Regionale hanno deciso di promuovere la rassegna cinematografica “Tutti a scuola!” nella speranza che un iniziativa così innovativa possa alimentare un proficuo dibattito che certo non potrà risolvere le questioni, ma potrà offrire uno spazio di approfondimento e di confronto tra le parti. Un sincero ringraziamento va rivolto ai Presidi Prof. Francesco Barillà, dell’Istituto Tecnico “Raffaele Piria” di Reggio Calabria, e Prof.ssa Maria Rosaria Russo, del Liceo Scientifico “Raffaele Piria” di Rosarno, al Prof. Arch. Massimo Giovannini, Rettore dell’Università Mediterranea di Reggio Calabria, nonché al Comune di Locri che hanno accettato con entusiasmo di ospitare le proiezioni dei film».

La rassegna, con ingresso libero, inizierà Lunedì 4 Aprile alle ore 16.00 con Scuolamedia di Marco Santarelli. Con questo documentario il regista ha voluto porre l’accento sul difficile compito a cui gli insegnanti sono spesso chiamati rispondere e sulla necessità di avere una scuola dell’obbligo solida e portatrice di quei valori civici e civili di cui in questo momento avvertiamo una sempre maggior necessità e raccontare come “fare scuola pubblica” in un contesto difficile, vuol dire innanzitutto avere un progetto educativo e sociale in grado di confrontarsi con il territorio e i problemi di chi lo abita. La vita nella scuola media “Pirandello” di Taranto viene raccontata attraverso l’osservazione diretta di fatti e situazioni che si sviluppano nelle classi, nei corridoi, in presidenza e in segreteria.

Dalla crisi della scuola media si arriva a quella dell’Università e la crisi dell’Università, che è cronaca di questi giorni, affonda le sue radici nella scuola dell’obbligo. Così, Mercoledì 6 Aprile presso la Sala “A. Quistelli” dell’Università Mediterranea di Reggio Calabria alle ore 9.30 sarà proiettato di Youngstown. Un’altra volta, un’altra onda. di Manuela Costa e Maurizio ‘Gibo’ Gibertini. Il film, unico documento circolante sul movimento antagonista universitario, cerca di seguire quest’onda sfuggente che non si sa mai dove si possa infrangere, dal G8 universitario di Torino all’assedio al Senato. L’Onda è ovunque, nelle parti di “fiction” in cui due studenti-lavoratori fuorisede raccontano le loro difficoltà del presente e le loro paure per il futuro, nel reportage dei vari cortei ed occupazioni e nei filmati d’archivio, gli antecedenti storici di questo movimento, come i festival del proletariato giovanile o le rivolte studentesche nella Bologna del ’77.

Seguiranno sempre presso l’Aula Magna dell’Istituto Tecnico “R. Piria” di Reggio Calabria alle ore 16.00: Lunedì 11 Aprile Sotto il Celio Azzurro di Edoardo Winspeare, lunedì 18 Aprile Signori professori di Maura Delpero, mercoledì 27 Aprile La classe docente va in paradiso di Valentina Giordano e Per chi suona la campanella di Alessandro Di Gregorio e Emiliano Sacchetti. Mercoledì 4 Maggio al Liceo Scientifico “R. Piria” di Rosarno alle ore 9.00 sarà proiettato Una scuola italiana di Andrea Loy e Giulio Cederna. Lunedì 9 Maggio presso l’Auditorium del Palazzo della Cultura di Locri sempre alle ore 9.00 si potrà vedere Per chi suona la campanella di Alessandro Di Gregorio e Emiliano Sacchetti.

«Non si può sottacere – ha concluso Tonino De Pace – l’entusiasmo che hanno avuto tutti gli ospiti ad accettare l’invito ad accompagnare i film che il Circolo del Cinema “C. Zavattini” e la FLC CGIL hanno loro rivolto». Saranno a Reggio Marco Santarelli, Manuela Costa e Maurizio Gibertini, Edoardo Winspeare, Maura Delpero, Valentina Giordano. A Rosarno sarà presente Cecilia Bartoli, presidente dell’Associazione “Asinitas” di Roma e a Locri gli autori e alcuni interpreti di Per chi suona la campanella.

Elisa Gambello – Segretaria Provinciale FLC CGIL Reggio Calabria

Tonino De Pace – Presidente Circolo del Cinema “Cesare Zavattini”