La scelta della sede espositiva, un salone di bellezza (Harumi – Professional Fashion Design di Via della Stazione S.Pietro 31/33) al posto della convenzionale galleria d’arte, sottolinea la contemporaneità del progetto ed il rifiuto per gli ambienti tradizionali.

Quando hai capito che avresti fatto la pittrice?
Mi sono avvicinata alla pittura perché affascinata dalla pop art e dagli artisti che ne hanno fatto parte. Sono infatti proprio le opere di Keith Haring e di Roy Lichtenstein che mi hanno ispirato e spinto a prendere in mano un pennello e dipingere.

Come definiresti la tua arte?
Mi piace pensare che sia spregiudicata, ricca di contrasti e non solo cromatici…

Quali sono le tecniche che prediligi?
Dipingo soprattutto su tela con colori acrilici puri. Mi cimento anche nella tecnica del collage e nella creazione di sculture in cartapesta.

Parlami della mostra che si è inaugurata la settimana scorsa. Perché “Women 2.0″ ?
Ho voluto mettere le donne al centro dell’ attenzione  rappresentandole senza pregiudizi in maniera semplice e moderna. Oggi il web 2.0 si è sostituito alla comunicazione che noi definiamo normale. Gli scambi avvengono tramite Facebook, Twitter, Google. Tutto è più immediato. Ed è proprio questa immediatezza che ho voluto trasmettere.

Perché hai deciso di esporre in un salone di bellezza?
Credo che qualsiasi forma d’arte debba essere ammirata in ogni posto a portata di uomo. In questo caso di donna. Un’arte umana è più comprensibile.  Vorrei che le mie creazioni non fossero di nicchia ma arrivassero alle persone comuni.

Teodora Malavenda

In soli nove mesi è diventato il cortometraggio italiano più premiato di tutti i tempi ricevendo dodici prestigiosi premi internazionali e trenta selezioni ufficiali di cui tre in festival del circuito “Academy Awards”. Stiamo parlando di Ice Scream, il corto distribuito in Italia da MTV e diretto dai registi Roberto De Feo e Vito Palumbo.

Noi di Liberareggio.org abbiamo incontrato Roberto per capire assieme a lui come un episodio di vita reale possa trasformarsi in finzione. O meglio come la finzione spesso si trasformi in realtà.

Come nasce Ice Scream?
Dall’esigenza di raccontare la realtà in maniera diversa da quella a cui ci ha abituato lo stile cinematografico italiano.
Il corto è ispirato ad un episodio di cronaca nera accaduto nel 2008, in provincia di Catanzaro.
Un ragazzo di buona famiglia cadde con il motorino finendo sulla fiancata dell’auto di un delinquente del posto. Questo pazzo decise di vendicarsi del danno subito e con l’aiuto di una coppia di amici, rapì il ragazzo, lo portò in campagna, e dopo averlo legato ad un albero e torturato, lo bruciò vivo.

Cosa vuole comunicare?
La cosa che mi sconvolse quando venni a conoscenza del macabro episodio fu che facendo delle ricerche, scoprii che storie di questo tipo sono all’ordine del giorno. Ormai si uccide per uno sguardo sbagliato, per un parcheggio, per dieci euro.
Volevo raccontare una storia che fosse un ritratto di quello che stiamo diventando, ovvero un mondo di m**da dove non si salva nessuno, compresi coloro che dovrebbero far rispettare la legge. Da qui il siparietto surreale che chiude il corto.

Registi di riferimento?
Quentin Tarantino. E chi ama il cinema non potrà non essersene accorto. Ice Scream è pieno di citazioni e riferimenti ai suoi film. Quentin è il mio idolo, i suoi film per me sono libri di storia. Non a caso l’intro del corto mostra Tarantino che ammazza Nanni Moretti seduto sulla panchina di Caos Calmo.

Progetti futuri?
Tanti, a cominciare dalla distribuzione del nostro ultimo cortometraggio, dal titolo Poppitu (www.poppitu.it). Poi grazie al successo che ha avuto Ice Scream, una casa di produzione di Beverly Hills ci ha proposto di trasformarlo in un film, così al momento stiamo lavorando per capire se davvero potrà realizzarsi un sogno di questa portata. Incrociate le dita per noi.

Teodora Malavenda

SITO UFFICIALE DEL CORTO: http://www.icescream.it
PAGINA FAN SU FACEBOOK: https://www.facebook.com/pages/ICE-SCREAM/129070483730
SITO DEI REGISTI: http://www.palumbodefeo.it/
MIO SITO PERSONALE: http://www.robertodefeo.com/

A rappresentare la Calabria, due registi già conosciuti e apprezzati dalla critica internazionale. Ricordiamo la loro partecipazione al Torino Film Festival (Il canto dei nuovi emigranti) e quella alla 50 ª edizione del Festival dei Popoli (Amabile Azzurro). Loro sono Felice D’Agostino e Arturo Lavorato.

In Attesa dell’Avvento, questo il titolo del corto con il quale hanno concorso e vinto a Venezia nella Sezione Orizzonti, speciale sezione internazionale dedicata al cinema di ricerca, si è distinto e ha ottenuto il riconoscimento ufficiale della giuria, per avere “esplorato i lati oscuri delle politiche passate e le cruciali implicazioni sulle incertezze del presente”.

Un lavoro preparatorio alla realizzazione di un lungometraggio che affronterà il tema del Risorgimento con una chiave di lettura contraria alle versioni ufficiali.

Tre le date che ricorrono nell’opera: 1861-1971-2011. Centocinquanta anni di avvenimenti e di ricordi che riaffiorano nella memoria della gente del sud. Gente alla quale, ed è opinione sempre più diffusa, l’Unità d’Italia non ha apportato miglioramenti, anzi si può dire che la situazione del sud, a partire da quella data, sia addirittura peggiorata. Non a caso i due registi dedicano la vittoria a Nicola Zitara che sui temi del Risorgimento e del meridionalismo, si è da sempre speso. Il sud si trova oggi schiacciato da un sistema economic

o sempre più avviluppato nelle spire del fenomeno mafioso e si configura come una vera e propria colonia interna.

E mentre l’Italia festeggia e celebra i centocinquanta anni della sua unità, molti come Felice e Arturo si chiedono, in fondo, quanto ci sia da festeggiare.

A seguire riportiamo l’intervista fatta ai due vincitori.

Come nasce In attesa dell’avvento?
Nasce come cortometraggio-studio del lungo che da un pò di mesi, insieme ad alcuni dei nostri paesani e compagni di lotta, stiamo faticosamente cercando di scrivere. Un film che ha per  soggetto l’ Unità d’ Italia ovvero, per prendere in prestito le parole di Carlo Alianello, scrittore fondamentale nella nostra ricerca storica, “La conquista del sud”.

Cosa rappresenta per voi il Premio Orizzonti ?
Il riconoscimento di un percorso politico-estetico che da anni ci sta portando a raccontare la nostra Terra e i nostri compaesani. Raccontare la Calabria per noi è molto importante, in quanto risponde alla necessità intima di elaborare i motivi che ci hanno catapultato fuori da essa. Crediamo molto nella nostra gente e riteniamo sia opportuna una riflessione collettiva utile al fine del riconoscimento dei drammi vissuti in quanto popolo calabrese.

Quali registi seguite con interesse?
Sicuramente tra i nostri riferimenti ci sono J.L.Godard, J.M. Straub, Theo Anghelopoulos, Werner Herzog, solo per citarne alcuni. In Italia tanti “maestri” dell’underground degli anni ‘70. Uno su tutti Tonino De Bernardi. Poi il “nostro” Vittorio De Seta insieme a Di Gianni, Cecilia Mangini, Lino Del Fra e buona parte dei registi cosiddetti post-demartiniani.

Si può fare quello che fate ai vostri livelli rimanendo in Calabria?
Se ci si allunga in meravigliose contorsioni, come rami nel fitto del bosco per cercare luce, la risposta è si. Basti pensare al regista Tommaso Cotronei, che pur rimanendo a Dinami, ha esportato il suo lavoro, nei migliori festival internazionali. Più che possibile, pensiamo sia necessario. Dalle esperienze quotidiane traiamo la linfa indispensabile affinchè le nostre radici si fortifichino e penetrino sempre più nella terra che ci sostiene.

Quale ruolo vuole e può avere il documentario in uno scenario come quello contemporaneo?
Il documentario, in tutti i periodi in cui il cinema sembrava ristagnare negli acquitrini delle grandi produzioni incatenato ai dogmi e alle costrizioni delle sceneggiature, ha sempre contribuito a rivoluzionare i linguaggi e le forme. Basti pensare a quello che è stato il Neorealismo in Italia o la Nouvelle Vague in Francia, che dal “fare cinema in modo documentario” presero moltissimo. Non parlerei di documentario, termine nato da futili esigenze di mercato per ghettizzare una forma di cinema molto pericolosa, quanto piuttosto di cinema che si confronta direttamente col reale.
Figuriamoci il ruolo che può avere oggi dove il paradigma audiovisivo generalizzato e generalista è costituito da fiction televisive e talk show. Può davvero essere un elemento dinamitardo e rigenerante della nostra condizione. Di spettatori e quindi di cittadini.

Teodora Malavenda

 

Mimì, Ravenna, Febbraio 2011

Quando hai iniziato a fotografare?
Ho sempre fotografato grazie anche ai tanti viaggi che sin da piccola ho fatto con i miei genitori. Il primo viaggio è stato in Thailandia. Mio padre scattava con una niton abbastanza buona, faceva solo diapositive. La utilizzavo anche io fino a quando non sono arrivate le prime compatte, credo nel periodo dell’adolescenza. Ho sempre scattato tantissime foto agli amici.

Che studi hai fatto?
Ho studiato art direction e advertising per tre anni. Nel frattempo avevo iniziato un corso serale di fotografia durante il quale ho capito che la mia strada era proprio questa e così mi sono trasferita a Barcellona e mi sono iscritta alla Scuola di Fotografia.

Quale genere fotografico prediligi?
Sicuramente il ritratto, in senso molto lato.

Cesare, Roma, Maggio 2010.

A quali progetti stai lavorando?
Ho appena finito di editare e pubblicare sul sito  www.imlphotographer.com quasi tutti i lavori, i reportage  e una selezione dei migliori ritratti realizzati fin’ora. Ho finito da poco un report sui Massimo Volume e a breve finirò quello sulle registrazioni dell’ep dei Bud Spencer Blues Explosion. Queste ultime foto si troveranno anche sul disco in uscita il 6 maggio (“A fuoco lento”). Nel periodo estivo quasi sicuramente mi dedicherò ad un progetto personale.

Il mese scorso hai partecipato alla settimana della moda milanese. Quest’occasione cosa ha rappresentato per te?
Sicuramente è stata un’esperienza interessante che ho affrontato con entusiasmo e molta curiosità. Quello della moda è un mondo che conosco poco, ma amo lavorare con la fotografia anche per questo.  Ho il privilegio di mettere il naso in realtà che altrimenti non conoscerei e di conseguenza ho la fortuna di confrontarmi con situazioni diverse tra di loro e di conoscere tanta gente.

Vasco, Ferrara, settembre 2010.

Preferenze musicali?
E’ una domanda difficile, amo la musica e ne ascolto tantissima. Credo che per la musica italiana , al di là di quello che vediamo in tv, sia un ottimo momento. Ci sono dei gruppi fantastici, alcuni già attivi da tempo. Ci sono anche tante cose che non mi piacciono e che considero sopravvalutate, ma nel complesso ce n’è davvero per tutti i gusti. Sono convinta che il fattore visibilità sia determinante. Se certi gruppi avessero lo stesso spazio di altri, la situazione sarebbe completamente differente. C’è della musica pop fantastica, altro che cose alternative e difficili.

Se non vivessi a Roma dove ti piacerebbe vivere?
Barcellona.

La foto di quale fotografo avresti voluto scattare?
Le foto di Avedon.

Teodora Malavenda

Link:

mlphofotographer.com

lmlphotographer.com/blog

Passionale, creativa e alla continua ricerca di sperimentazione. È questa l’impressione che si ha conoscendo Melissa Mattiussi. Dopo la laurea in Lettere Moderne con indirizzo Artistico affianca alla professione di giornalista quella di danzatrice. Affascinata dal flamenco e dalle musiche gitane, incomincia ad esibirsi con diversi gruppi multietinci, tra cui Fanfare Vagabontu, i Muzikanti di Balval e Goran Bregovic. Fra i suoi maestri ricordiamo Sabina Todaro, Rafaela Carrasco e Cristobal Reyes. È nata in Valtellina ma vive a Milano dove insegna alla scuola Mosaico Danza. Quello che ci propone è un trascinante viaggio attraverso le danze gypsy alla ricerca della propria libertà espressiva.

Qual è la giornata tipo di Melissa?
Sveglia non molto presto, colazione, stretching, meditazione, esercizi o danza libera. Leggo le e_mail, aggiorno il sito, vado alla ricerca di spunti nuovi per i miei spettacoli. Pomeriggio insegno danza e la sera dopo cena guardo video o un film. Porto sempre la valigia anche quando rimango in città e dentro non manca mai il cibo…(sorride ndr).

Quando nasce la passione per la danza?
È una passione che mi trascino sin da piccola. Mio padre suonava in un gruppo e mia mamma cantava molto bene. Ricordo che animavamo le feste con i nostri balli. All’età di sei anni ho iniziato a frequentare i corsi di danza classica fino a quando mi sono trasferita a Milano dopo il liceo e mi sono avvicinata al flamenco e alle danze gitane.

Parliamo di pittura. Quali artisti ti piacciono?
I nomi sono tanti. Mi è capitato di rispecchiarmi in due dipinti. Uno era un quadro di Modigliani che raffigurava una donna con i capelli biondi e corti e l’altro invece era una tela di Tanzio Da Varallo che ritraeva un David dai capelli ricci. Praticamente la mia versione maschile (sorride ndr). Mi piacciono Picasso, Van Gogh, Caravaggio, Chagall e Paul Hitter, un artista contemporaneo rumeno a cui ho organizzato la mostra “Exil goes Italy” alla Scighera di Milano.

Scrittori preferiti?
Terzani, Rilke e Hernàn Mamani che ha scritto la Profezia della Curandera, un libro a cui sono particolarmente legata.

Che musica ascolti?
The Zen Circus, Paco De Lucia, Mayte Martin, Goran Bregovic, Esma Redzepova, Mahala Rai Banda, Nicolas Farruggia e tanti altri…

L’anno scorso hai aperto un concerto di Bregovic? Come ricordi quell’esperienza?
Sul palco è stato tutto molto naturale, sarà perché ho sempre fatto bene il mio lavoro e dietro ad ogni spettacolo ci sono molti sacrifici e ore di preparazione.

Cosa rappresenta per te la danza?
È la gioia di vivere. È quella porzione di cielo sereno che sta sopra le nuvole.

Che rapporto hai con la religione?
Non parlerei tanto di religione ma piuttosto di spiritualità. Da un paio di anni mi sono avvicinata alle filosofie indiane, ho incontrato i vari guru che sono passati per Milano ma comunque credo che in ogni cosa ci sia un Dio. Nessuno di noi può avere risposte universali ma forse siamo tutti accomunati da un’energia chiamata amore. Ecco, credo nella religione dell’amore.

Spesso lavori con artisti rom. Che feeling si instaura?
È molto difficile guadagnarsi il loro rispetto e ancora di più la loro fiducia. Sono diffidenti e hanno poca voglia di integrarsi nella nostra società. Preservano usanze, rituali, valori. Integrarsi in una realtà opposta alla loro significherebbe perdere l’ identità che li contraddistingue. Appartengono ad una comunità molto chiusa e nonostante io abbia molti amici rom, non ti nascondo che avverto un certo distacco.

Il nome di un fotografo?
Carlo Gianferro ed Eric Roset.

So che l’anno scorso ti sei esibita all’inaugurazione della mostra di Carlo Gianferro alla Fnac di Milano.
Carlo ha fatto delle bellissime foto sulle comunità Rom che sono state poi pubblicate nel libro Gypsy Interiors. Ho preso parte all’evento con molto piacere e ho notato che dalla contaminazione tra danza e fotografia si ottengono dei buoni risultati. Mi auguro di ripetere l’esperienza.

Ultimo film visto?
Légami! di Almodovar.

Registi?
Pedro Almodovar, Tony Gatlif e Kusturica.

Piatto preferito?
Più di uno. Pasta alle noci, lasagne fatte in casa e tiramisù.

Teodora Malavenda

Link:
- sito internet
- Youtube

Quando hai iniziato a fare musica?
Ho iniziato a suonare in vari gruppetti dal ’94. Si può dire però che gli Utmost End sono i primi con cui ho suonato più seriamente. Era il lontano 1997 e vista la carenza di batteristi in città, entrai a far parte della formazione. Parallelamente suonavo la chitarra negli SPL e solo due anni dopo ero membro dei CFF e dei Glacial Fear.

Quali sono le tue influenze musicali?
Ascolto vari tipi di musica. Sono cresciuto più che altro con l’hardcore, il punk, il metal, ma mi è sempre piaciuto anche il reggae. Per questo ti direi, in ordine sparso, nomi come Jah Shaka, Square Pusher, Ambulance Ltd, Zora, Max Romeo, Jacob Miller, Prong, Alborosie, Iron Maiden, Nofx, Stooges e tanti altri.

So che anche oggi porti avanti diversi progetti musicali. Vuoi parlarcene?
Contemporaneamente ai Twisted, continuo a suonare con i Glacial Fear e con i Ronin. Con quest’ultimi facciamo colonne sonore per film immaginari…

Manchi da Reggio da una decina d’anni. Nostalgia? Ci torneresti?
Se si potesse lavorare e suonare, ci tornerei volentieri. Vivo ad Apricale, un borgo medievale vicino Ventimiglia, dove la vita scorre tranquilla ma certo, Reggio rimane pur sempre la mia città.

Come ti sembra la scena musicale reggina oggi?
Quello di cui mi accorgo, tornandoci solo nei periodi festivi, è che negli anni ’90 c’era più unità tra i musicisti, si facevano meno concerti ma a quei pochi eravamo tutti presenti. Ora invece ho l’impressione che prevalga il senso di competizione, di rivalsa forse di invidia. Sarà un segno dell’evoluzione?

Raccontaci un po’ di “Lento”.
È stato registrato al “Good Vibes Rec Studio” di Imperia in quest’ultimo anno e, già da mesi, lo stiamo promuovendo in giro. Solitamente preferiamo essere tutta la band durante i live, ma quando le condizioni proibitive ce lo impediscono (soldi, distanze, tempo, lavoro), si muovono solo alcuni in dj set.

Il nome di un regista?
Alina Marazzi.

Ultimo film visto?
Il Divo.

Progetti futuri?
Già siamo alle prese con la registrazione del prossimo disco che dovrebbe uscire nei mesi estivi. Sarà simile a Lento, forse più raggamuffin e tanto dub. All’interno troverete La Curva, un pezzo al quale sono particolarmente legato che ho scritto quando stavo in ospedale in seguito ad un infortunio alla gamba….Oltre a cantare, suono la batteria, quindi immagina un pò il problema!!

Teodora Malavenda

Un giorno anche noi ci lasceremo trasportare dalle slitte per quelle terre ghiacciate e intanto, in attesa di conoscere personalmente Luisa, ci incontriamo su skype, dove tra un sorso di tè bollente e frammenti di vita quotidiana, le facciamo qualche domanda.

Perché mollare tutto per iniziare una nuova vita?
Non è stato niente di programmato. Sono i famosi treni che capitano forse una sola volta nella vita ed io ho avuto la fortuna o sfortuna, dipende dai casi, di avere il coraggio di prenderlo. Sono capitata lì quasi per caso e sono stata letteralmente rapita dalla bellezza di quei luoghi. Così ho deciso di dare vita alla RedFox Adventure.

I turisti che arrivano lì cosa si aspettano di vedere? Si corre il rischio di rimanere delusi visitando un meta fuori dai classici circuiti turistici?
Sai è difficile dirlo. Dipende dalle persone ovviamente. Io mi assicuro sempre di spiegare nei dettagli in cosa l’esperienza. Molti mi dicono “mi fido”, “voglio emozionarmi”, “decidi tutto tu”. Di fronte a queste affermazioni insisto nel puntualizzare l’organizzazione del viaggio. E’ importante essere consapevole di ciò che si andrà a fare o visitare, cosa ti offriamo in quanto tour operator e quali sono le spese da affrontare.
Rimanere delusi? Non è mai capitato, anzi i clienti ripartono sempre con un valore aggiunto, perchè in fondo è anche un “viaggio dell’anima” se si ha la capacità di sentire ed ascoltare.

Ci sono italiani dove vivi tu?
No. Devi immaginare un paesino abitato da pochissime persone e la mia casa è lontana dal centro dodici chilometri.

Il rapporto con le comunità sami com’è?
Un rapporto formale. Hanno un carattere un po’ introverso anche se alla fine ci parlo spesso e volentieri specie nei giorni di marzo quando mettono le tende sul lago ghiacciato oppure quando si ritrovano lungo le strade a fare la conta dei capi di renne sparse dappertutto.

Cosa ti manca dell’Italia?
Sicuramente il cibo, i profumi e i colori della mia Toscana. Infatti ci ritorno spesso. La Lapponia non è poi così lontana (sorride…).

Come si svolgono le tue giornate?
Faccio sempre due colazioni, una alle 7 e una alle 10 del mattino. Poi sci di fondo fino alle 16 anche se dipende dalle temperature. Sauna, piscina, cena ed un pò di facebook.

Il Natale visto dalla Lapponia. Che atmosfera si respira in questi giorni?
Il Natale è molto semplice. E’ una ricorrenza privata ma per fortuna ci sono le grandi finestre delle case sempre illuminate che mi lasciamo curiosare dentro. Per le strade è difficile vedere alberi addobbati ma trovi casine di legno con dentro i tomte. Sono gli gnomi scandinavi protettori dei contadini e del bestiame a cui per tradizione bisogna dar da mangiare altrimenti si arrabbiano e mandano in malora la fattoria.

Teodora Malavenda

Come e quando ti avvicini all’arte?
Da sempre. Il mio primo ricordo è una scultura: una “Maternità” di Bot di proprietà della mia famiglia. All’inizio utilizzavo i moccoli delle candele per ricopiarla nella cera. Non sapevo ancora leggere, ma il tatto e le tre dimensioni fanno parte di me come le ossa che mi tengono in piedi. Ho sempre sentito il bisogno di toccare per sentire, ed oggi mi accade la stessa cosa, quando per razionalizzare incubi e angosce li trasformo in qualcosa di concreto e palpabile.

Ancilla domini

Parlami della tecnica da te inventata.
Concettualmente è molto semplice, un cosiddetto “uovo di Colombo”: partendo dall’idea michelangiolesca di levare il superfluo, mi sono chiesto quanto ancora si potesse levare. Va da sé che il materiale all’interno di una scultura in pietra sia quanto di più superfluo e inutilmente pesante si possa immaginare. Tuttavia, se la risposta teorica alla domanda non pone grosse difficoltà, la sua messa in pratica è piuttosto destabilizzante: sia nella scultura in bronzo che in creta, lo svuotamento dell’opera finita è intrinseco alla tecnica tradizionale, ma nella pietra è quasi un controsenso, tanto che con questi presupposti e finalità, mai nessuno finora ha tentato l’operazione. Dal punto di vista prettamente tecnico è invece molto più complessa, anche se ovviamente la difficoltà è in ogni caso proporzionale alla capacità dello scultore. Pur ponendo diversi problemi estetici e strutturali che vanno risolti, il processo di svuotamento è infatti abbastanza meccanico, si deve soltanto conoscere tanto bene il materiale da sapere qual è lo spessore minimo da raggiungere e fermarsi un attimo prima.

Perché parli di rivoluzione kenoclastica?
Assieme a Rudy Chiappini, il curatore di “Rivoluzione Kenoclastica”, avevamo deciso di far capire già dal titolo che stavamo presentando una tecnica veramente rivoluzionaria per la scultura in pietra. Ora, se è vero che alcuni frettolosi giornalisti hanno visto la mostra come “una rassegna di pretesa nuova scultura”, è altrettanto vero che la maggior parte della critica ha compreso la portata effettivamente rivoluzionaria della kenoclastia. Al di là delle implicazioni semantiche, la kenoclastia è infatti una innovazione primariamente tecnica. La “rivoluzione”, ovvero il ribaltamento di tutto ciò che è conforme alla tradizione, è paragonabile all’introduzione degli stralli nella costruzione dei ponti. Sostenere una campata da sopra invece che da sotto implica lunghezza maggiore e forme più leggere; allo stesso modo, svuotare una scultura significa avere la possibilità di inserire strutture e cavi, abbattere drasticamente i pesi e arrivare quindi a soluzioni formali che nella pietra sarebbero altrimenti improponibili. Se si vuole un esempio lampante, basta prendere in esame la mia “Salomè”, in cui una bambina a grandezza naturale si sostiene in punta di piedi con un braccio completamente esteso senza l’apporto di quei sostegni esterni e visibili che ogni scultura in pietra ha sempre avuto bisogno di avere . Basti pensare al “tronchetto” del David. Questo non significa che la tecnica kenoclastica permetta sculture migliori, non l’ha mai pensato nessuno degli organizzatori della mostra e non lo penso nemmeno io, l’arte non è scienza misurabile, tuttavia è innegabile che permetta sculture diverse.

Edipo

Dall’idea alla materializzazione di essa: potresti descrivermi l’iter creativo?
Parte tutto da un’immagine che per i più svariati motivi mi attraversa la mente come un lampo: chiarissima, precisa. Assieme o subito dopo l’immagine arriva l’ispirazione letteraria, che, essendo impregnato di classicismo, spesso deriva dalla cultura greco-romana, ma non viene mai prima. Tante volte temi interessanti sulla carta non hanno portato nessuna immagine, quindi li ho tralasciati. Se l’immagine iniziale deve essere troppo elaborata a tavolino vuol dire che non funziona e la accantono, ma a volte è praticamente definitiva. E’ successo con “Edipo” e i versi sofoclei della “pioggia nera”, è successo con quella “Cena in Emmaus” che prima ancora di essere finita sta già creando rumore. Leggendo Silio Italico, durante il passo del suicidio collettivo ho avuto la vividissima visione della Cena in Emmaus con il Cristo e i due discepoli morti a tavola. Da lì il passo è stato brevissimo: nessun disegno preparatorio, soltanto io, il blocco e l’idea precisa di quello che ho visto. La tecnica del “levare”, al di là delle innovazioni tecnologiche che velocizzano soltanto le operazioni, è praticamente identica a quella di duemila anni fa, quindi attacco il blocco in taglio diretto e arrivo a finire la scultura in modo tradizionale. A quel punto entra in scena la kenoclastia: rompo, svuoto, ricompongo i pezzi utilizzando grappe metalliche e cavi che consentano una statica perfetta e infine monto la figura nella struttura in ferro che fabbrico io stesso e che è parte integrante dell’opera.

Il nome di uno scultore, quello di un pittore e quello di un poeta.
Skopas, Apelle, Omero. Oppure Michelangelo, Michelangelo, Michelangelo.

Crucifixio

Arte contemporanea: tra pregiudizi, molte critiche e pochi consensi. Qual è la tua personale visione?
Credo che il problema maggiore riguardo l’arte in generale, non solo contemporanea, sia la mancanza di cultura visiva da parte dello spettatore contemporaneo. Sostenere che “guardare non significa necessariamente anche vedere” è una banalità, ma fa parte di quelle banalità non insulse che sotto una veste sgualcita per il troppo uso nasconde spunti di pensiero e ricerca ancora validi e percorribili. Detto questo, è altrettanto innegabile che, in molti casi la tendenza odierna essendo quella di dare più importanza al senso o alla portata provocatoria dell’opera più che alla sua “costruzione”, lo spettatore spesso non comprende il percorso soggettivo dell’artista o, in casi estremi, si sente preso per il naso. Certamente sarà un mio limite, ma io vedo ancora l’arte come manufatto. Questo perché sono convinto che sia la forma a generare il contenuto, e non il contrario. Per me l’arte dovrebbe essere la totale espressione dell’adagio latino forma dat esse rei, sentenza talmente definitiva che dovrebbe spingerci a non perdere troppo tempo a tavolino, sicuramente non più o non altrettanto del tempo da passare in laboratorio. In altre parole: più polvere e sudore, meno elucubrazioni mentali. La mia mostra al Castello Sforzesco ne è stata la prova: il putiferio che alcune immagini hanno loro malgrado scatenato dimostra che per “scandalizzare”mnon si devono per forza mettere a fuoco i principi morali correnti per poi demolirli sistematicamente con operazioni che rischiano di scadere nel banale vero oppure nella facile ironia “di superficie”. Dovrebbe essere la forma stessa, se dotata di effettiva forza icastica, a toccare quei profondi meccanismi che portano gli occhi di uno spettatore a vedere in un’opera alcunché di osceno o scandaloso, quando in verità l’oscenità e lo scandalo partono proprio da lui, dai moti interiori innescati dall’immagine. In definitiva, la mia personale visione, che non vuole assolutamente porsi come apodittica ma è semplicemente opinione, sta tutta in un ritorno al valore del lavoro, comprendente anche l’accezione di mestiere, e alla ricerca formale prima che concettuale, pur nella consapevolezza (e chi conosce la mia scultura sa cosa intendo) che un’opera debba avere più strati di lettura e, quindi, un saldo retroterra culturale e filosofico che la sostenga.

Vittorio Sgarbi o Francesco Bonami?
Rudy Chiappini.

Progetti futuri?
In ottobre un’iniziativa editoriale, con l’uscita di un libro a firma di Paolo Chiapparoli che racconterà le mie sculture da un punto di vista filosofico e teologico e per il quale ho scritto la prefazione. In dicembre invece, dopo sette anni di restauri, avrò l’onore di inaugurare la riapertura del Palazzo della Civiltà Italiana all’EUR, conosciuto anche come Colosseo Quadrato. Ma il grande evento espositivo sarà nella primavera-estate del 2011, quando con la mostra ROMA-THEATRUM TEMPORIS, esporrò le mie ultime sculture nei Fori Imperiali e nei Mercati di Traiano, luoghi che fin da bambino mi affascinano e nei quali potrò esprimere nel modo più profondo e unico la mia visione estetica e filosofica.

Depositio Christi

Teodora Malavenda

Sono sempre pochi e semplici gli elementi utilizzati dalla giovanissima designer reggina per dare vita alle case bonsai, piccolissime sculture dall’inconfondibile sapore esotico, che è possibile visitare fino al 31 agosto nell’incantevole scenario del Castello Ruffo di Scilla.

Incontriamo Giovanna Caminiti in un soleggiato pomeriggio di mezza estate, nei giorni che precedono il vernissage, e la prima impressione, confermata subito dopo dalle risposte alla nostra intervista, è quella di una donna testarda, appassionata al suo lavoro, molto legata alla famiglia e alla terra calabra con tante sorprese in servo e soprattutto tanta voglia di progettare case la cui unica funzione è quella di “fare bene al cuore”.

Laureata in architettura con il massimo dei voti, Giovanna decide di approfondire le conoscenze acquisite durante il suo percorso di studi con un master in Interior Design allo IED di Roma, scelta che si rivela ben presto fondamentale per potersi dotare di ulteriori strumenti e seguire le sue inclinazioni.

Com’è nata l’idea di realizzare delle case bonsai?
Sin da piccola i mie genitori mi hanno trasmesso l’amore per la famiglia e per la casa, intesa come luogo in cui risiedono i sentimenti e alcova da cui l’anima può trarre ispirazione. Mettici poi la passione per il Giappone, per gli haiku, per i bonsai e il resto è venuto quasi naturalmente.

La passione per il Giappone quando nasce?
E’ nata al Liceo. Ricordo di aver comprato una raccolta di haiku e di essere rimasta molto affascinata dalla lettura di queste brevissime poesie. C’è un haiku che ancora ricordo, è di Matsuo Basho e recita così “Della frescura faccio la mia casa e qui riposo”. In mostra ci sarà anche una casa in cui vive la sua anima (sorride…)

Quali sono i materiali che utilizzi?
Sono materiali poveri, per lo più di riciclo: piombo, alluminio, cernit, legno. Utilizzo legni trovati sulla spiaggia e tondini filettati per decorarle. Alcune sono colorate altre sono rivestite di giornale, di stoffa o di carta geografica come per esempio quella del viaggiatore. Le forme sono semplici. Spesso le faccio accompagnare da una frase o da alcune lettere ed è come rafforzare il loro significato.

Quale messaggio nascondono queste deliziose sculture?
Le case bonsai sono materiche poesie. Piccoli haiku, pochi elementi che lasciano immaginare un racconto. Nascono all’improvviso, senza progetto. Sono i materiali stessi a suggerire la forma, le dimensioni, le metafore. Ognuna di esse può racchiudere solo una storia o evocarne altre. Queste case non si possono abitare fisicamente, ma con l’anima si. Le loro piccole dimensioni vogliono narrare tutto ciò che potrebbero contenere. Nascondono un interno “immaginabile”.

I nomi di quali architetti?
Kazunari Sakamoto, Alvar Aalto, Richard Neutra…

I nomi di quali designers?
Penso a Vico Magistretti e alla sua straordinaria affermazione “La semplicità è la cosa più difficile del mondo”. Penso a Bruno Munari e al suo “Da cosa nasce cosa”, uno dei libri più geniali che abbia scritto. Mi viene in mente il padre fondatore del design industriale italiano Marco Zanuso, Achille Castiglioni, il design scandinavo degli anni ’50-60 e poi il design giapponese di Muji, la cui filosofia prevede la realizzazione di prodotti semplici e a prezzi ragionevoli, utilizzando materiali che rispettano l’ambiente.

E in futuro?
Non ho nessuna intenzione di lasciare la mia terra. Le opportunità fuori porta non mancano ma voglio provare a realizzare i miei sogni nel posto in cui sono nata e cresciuta. Qui ci sono gli affetti e soprattutto c’è il mio paese bonsai…Cannitello. In Calabria la qualità della vita è tale da consentire all’artista di avere tanti stimoli. Forse sono pochi ad essere dotati di sensibilità artistica ma sono sicura che il futuro ci darà soddisfazione!!

Teodora Malavenda

www.giovannacaminiti.it

Una canzone di Brunori è come una strada che può portarti sempre in un posto nuovo, a seconda del tuo stato d’animo e la direzione la danno le parole, gli accenti, i fiati.

La proposizione di immagini semplici è efficace ed immediata, ed il linguaggio barocco, articolato e ricercato a cui la tradizione cantautorale italiana ci ha spesso abituati, lascia il posto ad un modo più leggero, rapido e intimo che immediatamente cattura l’attenzione.

Cresciuto nel fertile humus artistico di Cosenza, realtà ormai parecchio operativa, il cui fermento è punto di riferimento da anni per musicisti, cantanti e giovani proposte, ha alle spalle un passato movimentato che, inevitabilmente, ne condiziona anche la produzione artistica.

E come lui stesso ammette, probabilmente avrebbe percorso tutt’altra traiettoria se le cose non fossero andate esattamente come sono andate.

Possono sembrare ovvie considerazioni, ma a volte è interessante capire quale potrebbe essere stata la ragione che ti ha fatto mettere quel disco nello stereo.

Vol. 1 continua ad avere un grande successo e a ricevere numerosi apprezzamenti non solo dalla critica ma anche dal pubblico. Quale ritieni sia stato l’ingrediente “speciale”?
Penso la genuinità e l’urgenza. La necessità che si cela dietro alle canzoni quando dici qualcosa di “vero” e che senti sulla tua pelle, che ti appartiene, allora quel qualcosa arriva a chi ti ascolta. Poi è ovvio che toccare alcuni argomenti crei rapidamente feeling perchè alcune storie rappresentano un patrimonio comune per più generazioni…se vogliamo sono storie di tutti, raccontate con un linguaggio familiare e sincero. Anche se quando le ho scritte non ho pensato proprio a nulla di tutto ciò.

Qual è il tuo rapporto con il passato? E con il futuro?
Sono nostalgico di tutto ciò che penso possieda un senso più profondo e aderente al quotidiano. Le storie che racconto sono quadretti semplici ma così incredibilmente lontani dal mio quotidiano proprio per quel sapore genuino e schietto non legato alla velocità odierna. Oggi è tutto molto rapido, pensa solo alla musica…un tempo ascoltavi un disco solo, fino a consumarlo perchè avevi solo quello lì ed era un momento speciale. Ecco, mi manca questo del passato, ma non per questo vorrei tornar indietro. Mi piace solo non perdere di vista le cose importanti…mi piacerebbe occuparmi del presente. Se ci pensi sia passato che futuro sono cose inesistenti, se non nella nostra mente. La mia dimensione ottimale sarebbe quella di vivere il presente…magari “meglio di così”.

In che senso “meglio di così”?
Nel senso di non esser costantemente proiettato verso un futuro che non esiste e o un passato che non può tornare. Mi piacerebbe godere di ogni istante, nell’esatto momento in cui lo vivo, senza altre implicazioni, o programmi o progetti. Purtroppo non è cosa semplice, ma chi ben comincia è a metà dell’opera.

Come hai vissuto il rientro in Calabria dal punto di vista artistico-musicale?
Quando sono tornato, pensavo di aver in parte chiuso con il mio percorso artistico nel senso che ero andato al nord per fare esperienza e seguire un certo percorso, e ritornavo per motivi non felici in un posto che non mi sembrava offrisse grandi prospettive. Invece è proprio da questo ritorno che sono nati i brani e la piccola impresa Brunori S.a.s. . Mi sembra che oggi si viva meglio da queste parti e che il fermento artistico non manchi. Un limite potrebbe essere la carenza organizzativa dovuta in parte alla mancanza di strutture, in parte all’ambiente circostante che certo non favorisce le espressioni culturali soprattutto se “alternative” rispetto ai circuiti grossi. Ma ripeto, non posso che esser felice di trovarmi qui e ora.

Adesso passiamo ad una domanda più privata. Il “Paolo” della canzone sogna di trovare, un giorno, il grande amore della sua vita. Tu l’hai già trovato?
Beh direi proprio di si. La segretaria della ditta, nonchè corista e suonatrice di macchina da scrivere è anche e soprattutto la mia compagna di vita, da pochi anni…solo dodici se non sbaglio.

La canzone alla quale sei più legato e perché
Senza dubbio Come stai, perchè nasce proprio dal profondo, da una parte di me con cui raramente riesco ad entrare in contatto e quando succede, per me è davvero un momento speciale. Anche se il mio verso preferito è: “Palloni arancioni sgonfiati, fare ciao ad un treno che passa e guardare nel cielo la scia di un aereo” da Guardia ’82…mettiamole alla pari.

Il tuo percorso musicale ha seguito dal principio la medesima vena artistica in termini di approccio o hai smussato qualche angolo?
Diciamo che vesto i panni di autore dei testi da poco tempo e i miei primi esperimenti erano sicuramente improntanti ad un linguaggio più ricercato e se vuoi più attento alla forma che alla sostanza. Mi affascinava molto l’idea della canzone un po’ maledetta, di quelle che il mondo non funziona, il gioco è truccato e cose così un po’ tardo adolescenziali, ma oggi non lo farei mai. Più che smussare gli angoli ho cercato di smussare l’ego e il cervello che a volte limitano l’espressione. Magari potrà cambiare la forma ma non credo mi allontanerò da questa consapevolezza e dal desiderio anzitutto di emozionarmi ed emozionare chi mi ascolta.

Ma ti rifacevi a idee ben chiare e definite in mente, o era un classico approccio da “governo ladro”? Perchè sai bene che molti artisti non proprio adolescenti continuano da sempre ad affrontare queste tematiche.
Si, infatti ho detto tardo adolescenziali intendendo proprio tardo, tardo… oggi desidero cantare e ascoltare cose che nascono da un’ispirazione diversa rispetto a quella per cui il mondo fa schifo, io ho capito tutto, ma nessuno mi capisce, siamo in pochi ad avere la verità in tasca etc etc… Questo non vuol dire che non apprezzo chi riesce a farlo con maturità e non con gli slogan da smemoranda.

Sei più per un ricercato e spesso ermetico esistenzialismo lirico o per un messaggio chiaro, forte ed inequivocabile? E’ una domanda retorica perchè conosco la tua musica e so la risposta. Io sono cresciuta in bilico tra l’indecifrabilità degli Afterhours e la schiettezza dei 99 Posse e ho saputo apprezzare entrambi.
Ovviamente se prendi in considerazione i miei brani non avrai dubbi in merito. Ho cercato di semplificare il più possibile, anzi non ho cercato un bel nulla. Semplicemente ho adottato un linguaggio spontaneo e ho scritto le canzoni con una velocità tale e senza ripensamenti che non poteva esser altrimenti…sono per la spontaneità. Se qualcuno scrive spontaneamente testi ermetici, buon per lui!! Sono convinto che non è tanto importante ciò che dici, ma come lo dici. Le parole valgono poco, è molto più importante il non detto che arriva ad un livello diverso. Quando Manuel Agnelli grida “porco ***** offenditi” non è solo ciò che dice ad arrivarti come un pugno nello stomaco, ma un insieme di cose che è anche difficile esprimere a parole. Ritengo che sia meglio così, tanto la razionalità può spiegare ben poco di questi fenomeni.

Quali sono i tuoi riferimenti musicali e letterari?
A dire il vero non ho riferimenti costanti e immutabili nel tempo. Alcune cose mi sono piaciute tanto in particolari momenti della mia vita per cui posso dirti cosa mi piace ora o cosa mi piaceva negli anni ’90.

Allora dimmi il meglio dell’adolescenza, il meglio dei venti anni e il meglio di adesso.
Negli anni dell’adolescenza sicuramente i Pearl Jam.. mi piace la voce di Eddie Vedder, mi entra proprio dentro e amo gli album Ten e Versus. Come libro invece, il classico Siddartha di Hesse. A 20 anni Neon Golden dei Notwist e le raccolte di poesie di Bukowski. Oggi ascolto Sufjan Stevens e ho da poco finito di leggere Frammenti di un insegnamento sconosciuto di Ouspensky…In questi giorni sto leggendo, con un piccolo ritardo di 20 anni, “Cristo si è fermato ad Eboli” e lo sto già adorando.

Come sarebbe stato il tuo percorso se non fossi tornato a Cosenza?
Probabilmente avrei continuato a fare il parcheggiatore a Siena, cosa che mi riusciva abbastanza bene e che mi dava da campare dignitosamente e senza particolari responsabilità. Sicuramente non avrei scritto questo album.

Ascoltando i tuoi brani è quasi immediato il riferimento ad alcuni grandi cantautori italiani (vedi Ivan Graziani e Rino Gaetano..). Esplicita ispirazione o piacevole coincidenza?
Piacevole coincidenza. Non ho mai ascoltato in maniera ossessiva nessun artista se non Prince quando avevo 12 anni, per cui le influenze sono per lo più involontarie anche se si tratta di artisti che ammiro.

Ti vedremo a Sanremo? Anche se forse sarebbe uno “sgarro” alla tua linea…
Assolutamente io sono un cantante da Sanremo e non ho nessun problema al riguardo. Non ho mai creduto che il contenitore possa inquinare il contenuto, per cui se uno si presenta onestamente e fa quello che vuole, allora non può che essere un beneficio per l’artista che si presenta ad un pubblico più grande, per il pubblico che ascolta qualcosa di diverso, per i discografici che pensano al profitto e per i fan della vecchia guardia che diranno: “era meglio il demo”!!

Si ma…nel demo c’è il fruscio, mentre a Sanremo ti fanno pelo contropelo e mastering.
Ci vado per quello perché proprio non mi riesce di registrare senza fruscio.

Teodora Malavenda

Nei prossimi giorni si concluderà a Venezia, Black eyes explosion, la sua prima personale, curata da Gianluca Marziani e allestita negli spazi della Jarach Gallery. In mostra energici scatti che ritraggono frammenti di quotidianità visibilmente carica di tensione emotiva in cui l’artista fa uso esclusivo di stampe e pigmenti di carbone su carta cotone.

Considerato il nuovo talento del panorama artistico contemporaneo, Bergantini si è classificato primo tra gli oltre 1300 artisti partecipanti al prestigioso Premio Terna 02- categoria Gigawatt- dal tema Energia:Umanità= Futuro:Ambiente. La proporzione per una nuova estetica.

Work n.77 è il titolo dello scatto che lo ha decretato vincitore di una borsa di studio di quattro mesi presso l’International Studio & Curatorial Program (ISCP) di New York, uno dei più prestigiosi istituti americani.

Cosa ti aspetti dall’esperienza newyorkese?
Tutto e niente, sia chiaro che non sottovaluto assolutamente le opportunità di questa incredibile e frenetica città, ma francamente cercherò il più possibile di mantenere i miei ritmi. La mia filosofia di lavoro è stata sempre quella di utilizzare al massimo le mie idee e le mie energie, qui continuerò a fare lo stesso.

L’idea è madre o figlia della foto?
Sorelle, cugine, marito e moglie, dipende ovviamente dai punti di vista, però devo confessare che nel mio lavoro è sempre da una foto sbagliata o inaspettata, che poi sono nate idee più ampie sul come e dove proseguire.

A giorni si concluderà Black Eyes Explosion, la tua prima personale. Ti ritieni soddisfatto?
Mi sembra di percepire che ci sia stato un ottimo riscontro da parte degli addetti ai lavori, ma la cosa che forse più mi ha gratificato è stato l’interesse dei quotidiani e dei settimanali come il Corriere, la Repubblica, Io donna, il Venerdì, Vogue. Tre mesi fa non avrei mai immaginato di poter suscitare tanta curiosità e tanta trasversalità.

Quale potrebbe essere il reale contributo fornito dall’arte nei confronti di problemi contemporanei, come quello dell’ambiente? Non credi che si corra il rischio che ci possano essere delle forzature?
Credo che nel caso dell’ambiente come in tutto ciò che prevede una morale e un etica non sia un discorso di mera arte o non arte, ma ci sia la necessità di un reale impegno degli individui e della loro volontà.

A che posto credi che siano la valorizzazione e la promozione dell’arte tra le priorità della politica italiana?
Non saprei, ma di certo non in vetta ai loro pensieri. Credo che in Italia ci sia un problema di eccesso, c’è troppa arte e dove c’è troppo è come se non ci fosse nulla.

Sei considerato da molti una delle migliori realtà del recente panorama italiano. Questo ti mette paura o rappresenta un ulteriore incentivo?
Ogni paura è un incentivo, questo mi lusinga e mi invoglia a far sempre meglio. Spero anche ovviamente che questo agevoli il mio percorso nella ricerca delle risorse per sviluppare nuove idee. Più si acquista credibilità più si ha la possibilità di ottenere nuova fiducia, eppure più si è esposti, meno ci si può dedicare a delle sperimentazioni spinte. Essere considerato non è sempre solo un vantaggio… diciamo che è un’altra tappa di questo percorso!!

Nei tuoi lavori preferisci indagare il visibile o l’invisibile?
Decisamente l’invisibile!!

Dove vorresti che ti portasse la fotografia?
Ovunque.

Teodora Malavenda

Simone Pucci è attivo come artista, vj e videomaker. Ha realizzato videoclip, sculture, performance live audiovisive e installazione site-specific. Nel 2009 ha partecipato al Celeste Prize, nella sezione Installazione&Scultura, con un mosaico di lego raffigurante uno screenshot del famoso gioco Mario Bros. Lo scorso novembre si è esibito nella splendida cornice di Palazzo Riso (Palermo) in occasione dell’inaugurazione di Essential Experiences, una mostra dal raffinato sapore internazionale, che ospiterà fino a maggio oltre venti tra i maggiori artisti del panorama contemporaneo.

Tra i suoi ultimi lavori ricordiamo Toolbox, realizzato insieme agli amici musicisti Federico De Benedictis e a Federico Ortica. Si tratta di un progetto audiovisivo creato interamente a partire da suoni ed immagini “raw” catturati e campionati nel magazzino degli attrezzi di una falegnameria.

Parliamo dei tuoi lavori.
In cantiere ci sono un paio di progetti che spero si concretizzino presto…ovviamente il problema principale è reperire fondi. In questo momento sto trattando l’acquisto di una mia scultura da parte del comune di Perugia, questo mi darebbe i soldi necessari da investire in una performance a cui sto lavorando da un po’ di tempo.
Nel caso andasse a buon fine avrei un mio pezzo acquisito da una collezione pubblica il che conferirebbe un minimo di riconoscimento al mio operato, e anche una sorta di referenza per una galleria che voglia ospitare i miei lavori.

Il significato di questa scultura?
Beh in realtà io prediligo comunicare, come diceva il mio mitico conterraneo Alberto Burri, “Esclusivamente attraverso l’opera stessa” . Non mi piace l’arte con il libretto delle istruzioni. Quando vado ad una mostra prendo il catalogo all’uscita…cerco di mantenere un punto di vista più spontaneo e inconsapevole possibile, altrimenti sarebbe come andare nel trenino degli orrori sapendo dove sbucano i fantasmi. Mi posso limitare a descriverla… si tratta di una comune formica, realizzata tecnicamente come un prodotto industriale, nera, lucida, in qualche modo similare a certi lavori di Koons. Dal punto di vista scultoreo mi piaceva l’idea di realizzare un soggetto non umano molto voluminoso, fondamentalmente figurativo che si reggesse su esili zampe…ma a volte non mi piace, lo ritengo un lavoro molto accademico. In realtà preferisco altre creazioni in cui c’è una maggior componente “pop” come il mazzo di chiavi con scooby-doo.
Per quanto riguarda il significato, è da ricercare nella natura stessa della formica… è solo un ingigantimento di un entità “di poco conto”.

La performance a cui sta lavorando…ci daresti qualche anticipazione?
Ti descrivo un po’ l’idea…si tratterebbe di creare 15 mega palle da biliardo gonfiabili, disporle a triangolo all’alba sulla superficie del lago Trasimeno e lasciare che la corrente le disgreghi. Quello che resterebbe della performance sarebbe una video documentazione dell’accaduto…mi sto informando per riuscire a far sorvolare la zona e quindi avere anche una ripresa aerea. Quello che mi piace di questo progetto è l’intangibilità e l’ estemporaneità dell’intervento che non produce oggetti ma solamente sensazioni.
Si tratta anche di una sorta di omaggio a Claes Oldenburg e al suo lavoro esposto a Munster nel ’77

Toolbox come nasce?
Tutto è nato all’inaugurazione della personale che ho realizzato a Perugia nell’ambito di “Perugia arti contemporanee“.
Abbiamo allestito un live set multimediale per l’occasione insieme a due amici e compositori di musica elettronica Federico Ortica e Federico De Benedictis. L’iniziativa è stata molto apprezzata e noi ci siamo molto divertiti nel realizzarla, così abbiamo deciso di renderla più organica, senza snaturarne l’essenza ovvero mantenendo una forte dose d’improvvisazione. Abbiamo quindi lavorato su un tema e lo abbiamo contestualizzato nel magazzino di una falegnameria. Per due giorni abbiamo campionato suoni e movimenti, suggestioni, polvere, vetri scalpelli e tutto ciò che in qualche modo produceva un suono o un riflesso. Passati i due giorni abbiamo separatamente rielaborato questo materiale utilizzandolo in una sorta di ready-made, riassemblandolo, in maniera mi piace dire “analogica”.

Nei tuoi progetti ti avvali del computer …cosa ne pensi dell’arte associata alla tecnologia?
Bella domanda…allora a me piace intendere l’uso della tecnologia nella realizzazione di qualcosa di artistico alla stregua di qualsiasi altro espediente tecnico. Non sopporto la presunzione di chi sostiene che l’utilizzo del multimedia faccia sì automaticamente che l’arte possa essere considerata “contemporanea” o quantomeno attuale. Viceversa non ritengo che l’utilizzo di una tecnica antica, olio o scultura marmorea ad esempio, renda un oggetto obsoleto, vedi Cattelan.
Il modo in cui l’artista impiega la tecnologia è a mio avviso sempre “metaforico” o “sperimentale” e la video arte è molto distante dalla computer grafica.

Invece per Palazzo Riso (in occasione dell’inaugurazione di Essential Experiences ) cosa hai realizzato?
In quell’occasione avremmo dovuto presentare toolbox, ma uno dei due ragazzi era all’estero e il contesto del vernissage non era così adatto a quel tipo di rappresentazione. Abbiamo optato per una soluzione installativa a discapito di un esecuzione live… beh diciamo che ci siamo divertiti un bel pò!
“Essential Experiences” è una mostra assolutamente fantastica. E’ difficile confrontarsi con la mole e la qualità di artisti presenti. Ho avuto il piacere di conoscere Gunter Uecker (presente con un’opera meravigliosa)che mi ha persino fatto i complimenti. Ma la cosa più interessante è la presenza di ragazzi giovani all’interno dell’organizzazione che mi hanno trasmesso un entusiasmo e una passione molto forti per il mondo dell’arte…il tutto sotto la guida di una fantastica Antonella Amorelli che ha fortemente voluto e ottenuto la concretizzazione di questa realtà.

La soluzione installativa in cosa consisteva?
Abbiamo utilizzato dei pannelli di polistirolo e degli stecchini da spiedino con cui abbiamo creato una sorta di fregio che ho poi mappato creando un contrasto con il barocco circostante. Un risultato decisamente interessante.

Pensi che l’arte contemporanea sia provocatoria?
Se per contemporaneo si intende l’arte del nostro tempo penso che a volte lo sia, come penso che lo sia stata anche in passato. Non posso pensare che il putto di Caravaggio che si gratta il fondoschiena non sia provocatorio.

Il nome di qualche artista che reputi interessanti?
E’ difficile parlare di artisti… a parte i mostri sacri una delle cose che adesso mi viene in mente e che mi colpì particolarmente è stato il maggiolone di Damian Ortega che vidi qualche anno fa all’Arsenale.

Il Maggiolone di Damian Ortega

Ti piace la fotografia?
Si molto.. mi piacciono Weston, Adams, Man Ray. Mi affascina Erwin Wurm e le sue One-Minute Sculpture…mi piace il suo modo concettuale di utilizzare la possibilità di fermare l’attimo. Mi piacciono Botto e Bruno e il loro romantico approccio all’archeologia industriale. Faccio fatica a parlare della fotografia come entità a sè stante…apprezzo gli artisti “crossover” ovvero che toccano i vari campi in maniera trasversale e funzionale alla loro comunicazione.

Untitled

Infradito usa e getta

Cremino

Teodora Malavenda